（2）希腊美术与古希腊神话和传说有着密切关系。
 
（3）古希腊人重视表现现实生活的欢乐。
 
（4）希腊是一个航海国家，视野比较开阔，不保守，在艺术上善于兼容并蓄，风格呈多样化。
 
（5）表现完美的人体是古希腊美术家最高的理想。
 
（6）古希腊的建筑强调明快的节奏和匀称的构图，很少有像埃及金字塔那种庞大的规模。
 
6.两河流域美术与古埃及美术的区别？
 
相同点：1.建筑的规模都比较宏大。2.雕刻的人像也多是处于静止状态，人像的大小以身份地位高低而定。3.作品带有浓郁的东方色彩，带有装饰趣味。
 
不同点：1.埃及重视陵墓建筑；而两河流域重视神庙和宫殿建筑。2由于两和地区民族复杂，因此艺术风格不统一；而埃及的艺术风格则相对统一。3.在建筑和雕塑上埃及使用大量的石料来作为建筑材料；而两河流域则主要利用土、坯砖、芦苇来作为材料。
 
7.印象派与后印象派有哪些差异？
 
印象主义表现的是眼睛直接看到的东西，就是表现非常客观的东西.后印象派完全不一样了，能够先自己主观的感情，表现自己的主观情绪，这种色彩就是客观物体的原来色彩已经不重要了，更重要的是用这种的物象来表达人类自身内心的一种主观情感，所以这种画派更多的是认为不能像印象主义模仿世界，而是表达画家对客观世界的主观感受。如果你那天心情非常不好，或者心情灰暗，哪怕是阳光灰暗你都会觉得很惨淡。这就是人的主观感受对客观世界的不同的反映。印象主义:莫奈 后印象主义:凡高 赛尚 高更
 
8.印象派产生的原因和特点？
 
原因：19世纪西方美术的中心在法国，主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守陈规，由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
 
特点：
 
 A、以光和色彩作为认识世界的中心，彻底打破了传统固有色和棕色调的造型观念。
 
B．用明确的笔触画出交织融会的色点和色束，强调客观再现个人的瞬间视觉印象。
 
C、关注色彩、线条给视觉造成的印象和刺激，而不在乎其内容或画什么，重复地对同一题材和同一对象进行描绘
 
9.古代埃及的美术有那些基本特点？
 
1.当时是奴隶制社会，所以艺术主要是为法老和奴隶主服务，宣扬他们权威的工具。
 
2.古代埃及人在建筑上的贡献很大，对后世颇有影响。
 
3.在雕刻方面，人物肖像富有个性特色，比较写实。
 
4.绘画题材广泛，有世俗的生活，也有花鸟鱼虫和山水树木，画面色彩鲜艳，线条活泼富有变化。
 
5.装饰性的特色，具有几何图形的美。
 
10.古罗马时期美术的基本特点？
 
1 艺术风格的多样化。
 
2 希腊的艺术多反映自由民的理想，而罗马的艺术则多为帝王歌功颂德。
 
3 希腊神话是希腊美术的源泉，而罗马的神话很贫乏，更多的讲究实际。
 
4 罗马的美术作品偏重于写实，人物形象个性鲜明。
 
5 罗马由于受到宗教的影响，所以很少有人体雕刻。
 
6 罗马的建筑主要集中在公共性建筑方面。
 
7 早雕刻和绘画方面，罗马人过分的模仿希腊，缺乏创意。
 
11.中世纪艺术的基本特点？
 
第一、由于破坏了希腊、罗马古代文化的传统，中世纪的艺术起点很低，并且发展缓慢。
 
第二、中世纪艺术带有强烈的宗教色彩。
 
第三、在中世纪这个阶段，各地区、国家的民族艺术开始萌芽和发展，又由于十字军的东侵，东西方的文化和艺术加强了交流和影响。
 
第四、中世纪后期在建筑艺术方面的贡献是非常突出的。
 
四.论述题
 
1.简要论述西方现代艺术的现状以及自身对西方现代艺术的看法。
 
现状：1870年前后的第二次工业革命，给欧洲各国带来深远的影响，其中之一就是民族国家的成功建立使得国际间政治和经济的竞争加剧，新技术、新产品的出现逐渐使大众生活发生变化，。
 
在新旧世纪交替的时间里，大量思潮理论涌现，新的自然理论——尤其是进化论，宣称人类
的进化超出人力左右的范围，只不过是自然界的偶然现象。艺术界也发生了变化，一部分艺术家认为艺术之为艺术本身而生存，并不必承担“陶冶情操”之类的任务。由此艺术开始远离普通人。到了两次世界大战前后，寻求“终极现实本性”的目的被当时的部分哲学家否定，艺术家则远离大众审美，与传统概念也发生激烈的冲突，否定主题、否定“理智”、否定审美原则。艺术的题材、材料都发生了根本性的变化，艺术的表现对象也与前人大
 
看法：现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义（提示：多元化，各画派的支持）
 
2.论述20世纪的东西方美术是否存在融合，并说明形成的原因。
 
不但是20世纪,无论在什么时候艺术的发展达到一定的程度,都存在着一种融合.始殊同归吗!20世纪,东西方美术的融合有个重要的原因:就是东西方文化交流空前的频繁.特别是印象派的绘画技巧,不仅对东方乃至世界影响都特别大,与此同时,中国画也走出国门,特别是中国写意画.而印象派和中国写意画绘画思想存在着相同之处.他们都注重绘画的感受和即兴.提到东西方美术的融合,不得不提到日本的艺术,特别是日本浮仕绘,凡高当时对其做了深入的研究.
 
3.简述埃及美术对东方艺术的影响。
 
（提示：受罗马影响，东方，南亚，印度等国家的影响）
 
4.简述中国艺术对罗可可艺术有那些影响。
 
1.造型手法和东方美学趣味的影响。2.艺术气质方面的影响。3.中国工艺品的输入使得一些艺术收藏家的趣味发生了变化。（提示：从丝绸、陶瓷纹样、造型风格、结合书上资料阐述自己观点，船只运输的东西对西方影响比较大，刺激了西方的建筑方面装饰、宫廷城堡等。）八世纪欧洲画坛上主宰了几十年的法国洛可可艺术,如果没有中国和其他东方艺术精神的催发,是根本不可能诞生的。这个判断不无道理。与一般的艺术史不同,作者更多地是从正面的角度评判洛可可艺术,他认为人们在某种程度上对洛可可艺术中的享乐主义和男女纵情的部分过于强调,而忽视了当中优美、宁静、自然的画风,以及其中最重要的因素——诗的精神和变化多端的曲线,而这象征着个性化与自由。自由飘逸的笔法,旁若无人地投入美丽的自然,用个性化的色彩和光线表达画家自己的微妙情绪。中国美术史
 
中西绘画比较
 
山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托心灵、情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。用生命的状态表
达对象。
 
由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“ 低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。”一幅画可以从山前到山后，从山顶到山脚，一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有灵性、更有生命，可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。这种神奇这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，你是无法在西方风景绘画中看到的。  
 
为了栩栩如生的描绘再现自然，西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的，尤其在以人物为题材的绘画中表现突出。对人类自身的认识及兴趣自古希腊起由来已久。古希腊人钟情于人体的表现，他们对于人体结构的精通、体积空间的塑造，完全在于解剖学、光学、色彩学等各门科学意识的渗透。在健康美丽的人体艺术表现中，饱含着人类的生命力，寄托着对美好生活的强烈愿望，是人性的一种自然流露。而这种题材在古代中国画中绝对少有。此中反映着中西文化深层次的差异。人体与着衣人物画从文艺复兴之时起迅猛发展，除因人文主义精神对人自身价值肯定之外，还有一个因素很重要，就是模特。若无模特，西方人物绘画单凭记忆想象，也不会有如此高的成就。模特儿为画家提供了实实在在的创作灵感和依据。但光有模特还不够。画家必须深入学习人体解剖，甚至自己动手去研究，随着西方科学的进步发展，人体透视学与人体运动解剖学进一步帮助画家创作更具生动性和挑战性的人物绘画。对比中国古代人物绘画在既无人文科学环境的支持，又无内在观念思想的帮助下，大致我们就可以理解中国传统人物绘画中造型不准、解剖不对、不画人体的原因了。
 
中国人物画的主要目标和追求是“美”与“恶”的分辨，“气韵生动”是绘画所要达到的最终标准，并且形成传统，彰示后世，中国人物画的这种追求使得它和西画表现真实准确的美在造型要求上突显区别。这里绝无对中西绘画褒贬评论之意。而只有认识到中西绘画的各自特点及其产生的原因背景之后，我们会发现，西方绘画的物质性、再现性，相对中国传统绘画的精神性、表现性之间的巨大差异了。.主要是写意与写实的区别,中国画以事物为载体,来表现画者的思想与情趣,追求事物在"似与不似之间'',西画却重在写实,要尊重自然,按照自然去表现事物.这是两者文化的积淀不同,中国重在心,道教的思想,西方重自然科学.
 
 载体：国画用宣纸、丝帛；西画用亚麻布、素描纸等
 
颜料：国画颜料种类远少于西画，且多用植物和石头为原料；西画早期也是用植物或石头、
 
贝壳制颜料，但现今多用化工颜料代替
 
工具：国画毛笔以竹为杆，多用羊毛或黄鼠狼毛作笔头，较柔软；西画工具极多，毛笔大多是木杆，
 
现在还有塑料替代品，笔头也多见为化学纤维，如尼龙等，也有稀饭画家用刷子作画，其他还有铅笔、
 
钢笔、炭笔、炭精条、木炭条、色粉笔等等
 
技法：国画多讲究线的味道，以线条为主，颜色为辅，极少考虑明暗；西画则要求笔触、色调、线条、
 
明暗面面俱到
 
表现：国画写意，不大讲究“形”，更多注重“意”，即所谓的味道，给人一种神游其间、怡然自得的感觉，
 
有通俗易懂的感觉；西画强调“形”要精准、色调协调、有体感，较之国画更写实，但现当代西画的部分派别如抽象派，就是写意的典型代表，但这种写意与国画的写意有所不同，最明显的一点就是未必人人都能从抽象画中得到美的感受，但国画显然比抽象画更容易懂
 
写生：国画的特点限制其难以写生，所以画家更加依赖回忆和感觉，所以形成了国画重“写意”的特点；比之国画，西画更利于写生，虽然水粉和油画写生也很麻烦，但速写基本上可以认为是为写生而诞生的一种艺术形式天时、地理、基因决定民族特性。各民族创造着自己的文化、艺术、科技和历史。中西绘画相对来说，既有合理性，也有局限性，故有互补空间。
 
中国画与西洋古典主义绘画的差异
 
一、绘画元素的基本构成
 
中国画：线 + 色 + 白 + 散点透视   即：
 
非现实 + 半现实 + 非现实 + 半现实
 
是基于哲理的表现艺术。
 
西洋画：面 + 色 + 光 + 焦点透视   即：
 
现实 + 现实 + 现实 + 现实  是基于科学的再现艺术
 
注：中国画的色是随类赋彩，故曰“半现实”；
 
西洋画的色是以色貌色，故曰“现实”；白即“留白”。 
 
二、思维方式
 
中国画：以意象思维为主。
 
如画“飞天”、“常娥奔月”，不画翅膀。
 
西洋画以逻辑思维为主。
 
如画“天使”必定画翅膀。 
 
中国画与西洋现代绘画的差异
 
一、追求中国画：
 
主张“天人合一”，“似与不似”和“有无之间”。
 
这是追求物质向精神飞跃的和谐美，追求动态之中矛盾对立统一的合二为一的平衡之美。
 
西洋画：超现实主义，抽象主义。
 
这是将矛盾的两个方面独立并强化，也就是一分为二，追求静态中的单一美。 
 
二、倾斜
 
中国画：有同时表现不同时空的组合美，如花鸟画中的“百花齐放”、丰子恺先生所表现的某些诗化了的梦境之作。这在中国画艺术中，为数不少，是缘于中国画艺术本原基于哲理之故。现代部分艺术家，自觉或不自觉地将西洋画部分理念和技法应用于中国画的某些领域，取得一定的成效。这是表现向再现，注重哲理向注重科学的一种倾斜。
 
 西洋画：
 
“荒诞”、“梦境”也好，“表现主义”、“印象派”、“立体主义”..也罢，或多或少地是由再现向表现、注重科学向注重哲理过渡的一种倾斜，也是有建树的。 倾斜是互补的一种。关键在于将倾斜的结果，放到世界艺术范畴中衡量，从理念到技法不被异化，而能更新颖，具有现代性的民族艺术，才具有世界性的艺术。
 
 汉画像石、画像砖的分布及其艺术特色
 
中国汉代的石刻画。主要用于墓室、墓前祠堂、石阙等墓葬建筑的建造与装饰。它产生于西汉，盛于东汉，魏晋之际仅有个别实例，故又称汉画像石。宋以后受到金石学家的注意。20世纪开始收集、研究零散作品，并对地面遗存进行内容的初步考释与介绍。50年代后在考古发掘获得大量材料的基础上开始综合研究。
 
画像石主要分布在山东、河南、江苏、陕西、山西、四川等地，湖北、浙江、安徽、北京、天津等地也有少量发现。
 
画像石的主要内容可分为以下6类:
 
  ①庄园经济条件下的生产劳动。主要有农耕、收获、放牧、采桑、纺织、采盐等，作品记录生产过程或特点胜于刻画人的神态。
 
  ②体现墓主人仕宦身份、经历的礼仪与象征物。有数量众多的车骑出行、射猎、谒见、属吏、武库、收租、讲学、建筑等画面。
 
  ③墓主人生活。有以人、物数量多为特点的燕居、宴饮、宾客、庖厨、乐舞、百戏、博弈等画面,它们描绘的并非是具体的某次活动,而是贵族地主典型的社交与享乐方式。
 
  ④历史故事和历史人物像。前者主要有周公辅成王、荆轲刺秦王、二桃杀三士，后者多为孔子及其弟子、烈女、孝子等，作品反映出当时流行的忠勇、仁义、节孝等道德伦理，带有明确的政治褒贬倾向。
 
  ⑤神话故事、祥瑞物象与天象图。这类作品呈两种面貌:一种主题单一,如西王母、后羿射日等基本上是远古神话情节不断蜕变后的固定造型；另一种则二位一体或三位一体，即神、祥瑞物象与方位、日月星座功能同一、形象复合的伏羲、女娲、嫦娥以及龙、虎、鹿、羽人、朱雀、玉璧、仙草等神和具有神格的物象。
 
  ⑥各种以植物为母题的花纹和图案。其中部分象征吉祥意义，主要作为画像石的边饰，也有单独的画面。
 
画像石内容因地而异。
 
如山东为历史故事、战争、刑徒，河南为天象、杂技、斗兽、收租，陕西为农作、祥瑞物象、云气蔓草，江苏为纺织、犁耕，四川为宴饮、伏羲、女娲等。画像石是汉代厚葬习俗的产物。统治阶级提倡孝廉，使厚葬成为与仕途升浮相关的社会行为。与此同时，死后灵魂升天的希冀在战国木椁墓向汉代砖石墓演变之后，更多赋予墓室以象征意义，即墓室是墓主生前环境的缩影。功利目的与“死即再生”的观念吻合，不仅导致画像石在墓中的数量渐多，而且规定了画像石的功能通过它们在墓中的位置体现出来。画像石在墓中的分布一般为：墓门通常是带有朱雀、龙、虎的铺首衔环，或是文武门吏；中心位置的前室或主室壁画、横楣上是阙、车骑、宴饮、乐舞；后室或侧室壁上是庖厨、农作等；后壁上方是西王母，室顶是天象图；祥瑞物与图案则穿插于壁面、立柱与室顶上。在以祭祀为主要用途的地面祠堂中,画像石依题材集中分处各壁,历史人物与孝子烈女故事居壁面中间位置,神话故事在三角楣上,构成适于观看的形象层次。石阙上的画像石主要起装饰作用，龙虎衔璧为主要内容，车骑及其他祥瑞物镶嵌于阙基和檐额等处。但是，相当数量的画像石在墓中的分布没有严格的定制，某些地区还自有特点。例如陕北画像石的精美作品主要集中在由门楣、立柱、门扇结合的墓门上，四川画像石主要在中室壁面中段形成一条饰带，装饰意义代替了具体的象征。
 
艺术风格
 
画像石艺术风格是构图方式、造型特点、雕刻技法统一的体现。主要的构图方式遵从了传统法则，即以平面的散点和分层方式布局，形象按上下层次、左右关系获得在空间中的位置，没有提供向纵深延伸的暗示。由此，作品中的空间在逻辑上超越客观真实而成为表意的概念空间，这在历史、神话故事及车骑出行等画面上最为明显。另一部分作品──典型的如庄园、收租、宴饮、乐舞等有了依据直观感受构成画面的迹象，描绘了高视点俯瞰下的景物，形象有序地向上方发展，上下间距表示了远近关系。建筑和坐榻、几案、容器等用具的透视造型，也辅助性地制造出空间深度。某些物象的叠合与互掩，使三度空间更为可信。与构图方式统
一的形象塑造，具有影形观察和线描表达两个显著特点。物象的体积消失在剪影式的平面造型中，以曲线为主的轮廓线强调了形象的形体与动态特征。几乎所有的形象都处在行进、跳跃、流贯、顾盼、飞腾的运动瞬间。轮廓之内的线条加强了动势，也概括地增添细节，使形象较有个性状貌。
 
画像石的雕刻技法部分地促成图像存其大貌、拙胜于工的特点。综合地看，主要有阴线刻、平面浅浮雕、弧面浅浮雕、平面凹雕、高浮雕、透雕、阳线刻等。最普遍的是平面浅浮雕加阴线刻，即在平整的石面上刻去形象轮廓之外的部分，使形象呈浅浮雕状，然后用阴线刻出轮廓内的细部。以此为基本方法，有的用线绘加彩代替阴线刻，如陕北画像石；有的在背景刻出规则的线纹，如部分南阳画像石。阴线刻在早期较简单，到晚期和沂南画像石中熟练细腻，是南北朝、隋唐时期线刻风格的雏型；高浮雕与透雕只用于少数作品。有的画像石局部敷染色彩，目的是强调某形象的功能。石料处理的光洁度、雕刻的精细度之异，也形成了各地画像石不尽相同的面貌。
 
分期与作者
 
根据题材、雕刻方法和少量有纪年的墓室与零散作品，大致可作出画像石的分期与存在地区的关系。它产生于西汉中叶，西汉中至东汉初是发展期，以河南、山东、湖北为主，有人认为鲁中一带是它的萌发地；东汉中晚期是盛期，山东、南阳画像石臻至繁荣，其他地区开始流行，并较快形成地方面貌。画像石至东汉末迅速而全面衰微，其原因有：汉末的战乱局势使它失去了存在基础，社会意识从注重人与宇宙到注重人与自然，画像石艺术形式高度饱和之后的自律解体。
 
画像石的作者是几乎全部未留下姓名的大量艺术匠师。根据画像石图像之间、画像石与部分壁画和画像砖之间的某些一致性，估计在当时有画像石图像的粉本流传。丰富的粉本经各地艺术匠师的创造性表现，酿成了画像石艺术的蔚然大观。
 
  总之，对汉画像石、画像砖的研究可以清理出四种不同的研究范式。这四种范式为：一，金石学式的研究；二，考古学式的研究；三，文化学式的研究；四，艺术学式的研究。这四种研究范式各有侧重：金石学的研究仅是著录、考订；考古学的研究，注重实证的考据，但对其意义的理解往往是遮蔽的；文化学的研究，重视的是从政治、经济、信仰等方面的研究，基本上是对画像外在因素的探讨；艺术学的研究虽然分析了画像本身的艺术特征，但没有深入到汉代的艺术精神、审美观念上来研究。近年来利用图像学和符号学对汉画像石、画像砖进行的研究也取得了一定的成就，开辟了研究的新方向。综上所述，本文简略地回顾了汉画像石、画像砖的艺术特色及相关的学术研究。相信随着出土文物的不断增多，新方法的不断采用，对汉画像石、画像砖的研究会取得更大的成果，也会对我们的当代艺术产生越来越大的影响。
 
 中国文人画
 
文人画是画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画。它不与中国画三门：山水、花鸟、人物并列，也不在技法上与工、写有所区分。他是中国绘画大范围中山水也好，花鸟也好，人物也好的一个交集。陈衡恪解释文人画时讲“不在画里考究艺术上功夫，必须在画外看出许多文人之感想”。此之，所谓文人画或谓以文人作画，知画之为物。是性灵者也，思想者
也，活动者也，非器械者也，非单纯者也”。说明了文人画所具有的文学性、哲学性、抒情性。在传统绘画里它特有的“雅”与工匠画和院体画所区别，独树一帜。
 
    文人画的由来可以追溯到汉代，张衡、菜邕皆有画名。画品虽不传世但是典籍皆有所记载。魏晋南北朝时期，姚最“不学为人，自娱而已”成为文人画的中心论调。使历代文人将其尊为绘画的宗旨。宗炳以山水明志“澄怀观道，卧以游之”。充分体现了文人自娱的心态。唐代诗歌盛行，大诗人王维以诗入画。使后世奉他为文人画的鼻祖。他的绘画作品成为后世文人画家的范本。诗中有画，画中有诗。蔚然成风，代代相传。
 
    南北宋时期出现了许多大文人，如苏轼、黄庭坚、米芾父子等，他们在王维的文人画派基础上，以书法入画，实践并发展了其水墨技巧。邓春的“画者，文之极也”等理论已将“文”与“画”紧紧的结合在一起，是系统的文人画理论，对文人画在以后的发展上启到了深远的影响。此时，苏轼提出的“士人画”概念又使文人画向更成熟迈进了一步。
 
    进入到元代，文人画进入兴盛时期。元统治者重武轻文，导致更多的文人从事绘画。最著名的文人画家有黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。即后世所说的“元四家”。他们的画多表现“隐居”“高隐”“小隐”“渔隐”，以“出世成仙”的态度表达一种士大夫阶层的孤傲、空虚的情感。艺术上提倡“高雅”、“平淡天真”、“天真幽淡”，理论上主张“逸笔草草”、“不求形似”、“聊写胸中逸气”等。这一时期诗文印信也逐步正式进入画面。不但成为布局的组成部分。而且更直接地抒发作者的心声。诗、书、画、印始成一体，诗画相联，诗是无形画，画是有形诗，诗情贯注于画意之中相辅相成，这也标志这文人画形式的完善。