《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达•芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。 在空间与背景的处理上，达•芬奇利用食堂壁面的有限空间，用透视法画出画面的深远感，好像晚餐的场面就发生在这间食堂里。他正确地计算离地透视的距离，使水平线恰好与画中的人物与桌子构成一致，给观众造成心理的错觉，仿佛人们亲眼看见这一幕圣经故事的场面。在这幅画的背景上有成排的间壁、窗子、天顶和背后墙上的各种装饰，它那“向心力”的构图是为了取得平衡的庄严感的对称形式，运用得不好，很容易形成呆板感。明暗是利用左上壁的窗子投射进来的光线来表现的。所有人物都被画在阳光中，显得十分清晰，惟独犹大的脸和一部分身体处在黑暗的阴影里。这种象征性的暗示手法，在绘画上是由达•芬奇开始的。画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在逾越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯达•芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。

拉斐尔
拉斐尔被誉为意大利文艺复兴三杰之一，怀抱着新柏拉图主艺术理想，以其洗练的画技，将文艺复兴的人文主义发挥到极致。虽然他留下的作品不多，其作品所展现的光华，影响后世甚远。拉斐尔从前代艺术大师们的画风的技法中撷取养分，幻化出柔和、圆润、饱满的调和之美。他的圣母系列作品，更是美术史上不可多得的杰作。拉斐尔以世俗化的手法，将传统的宗教题材描绘成现实生活中的理想美，称颂一般人类线性的光辉，洋溢着幸福与欢愉，更加体现了他的人文主义思想。拉斐尔的艺术被后世称为“古典主义”，不仅启发了巴罗克风格，也对17世纪法国的古典学派产生深远影响。就美术史的角度而言，拉斐尔不仅是文艺复兴时期的画家，更为后世开启一扇创作黄范的新窗。
拉斐尔（RAFFAELLO SANZIO)（1483-1520） 意大利画家。1483年4月6日生于乌尔比诺 ，1520年4月 6日卒于罗马 。原名拉法埃洛•圣乔奥 。自幼随父（乌尔比诺公爵的宫廷画师）学画，后又转入佩鲁吉诺门下，1500年出师。 拉斐尔早期作品就显露出非凡的天才。21岁时画的《圣母的婚礼》不仅表明他充分吸收了佩鲁吉诺的艺术精华，而且后来居上，无论构图与形象塑造都有所创新。尤其是画面的平衡，背景的描绘，圣母玛利亚及其夫约瑟形象的端庄、文雅，均为前辈画家作品中所罕见。
《西斯廷圣母》1504 ～1508 年他居留佛罗伦萨，那里一度恢复的共和政治、民主精神和人文主义思想影响了他。同时他对各画派大师的艺术特点均认真领悟，博采众长，特别倾心学习达•芬奇的构图技法和米开朗琪罗的人体表现及雄强风格，使其独具古典精神的秀美风格日趋成熟，从而迅速取得了和达•芬奇、米开朗琪罗鼎足而立的巨大成就。他的一系列圣母画像，和中世纪画家所画的同类题材不同，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思 想。1512～1513年绘成的大型油画《西斯廷圣母》，人物形象和真人大小相仿，由圣母、圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣的体态健美而有力量，表现了母爱的幸福与伟大。《西斯廷圣母》是32岁的拉斐尔在他的创作黄金期绘制的，是他的重要代表作。她给我们讲了一个宗教故事。画面上，厚重的帷幔向两边徐徐拉开，圣母玛丽亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落。她的脚边，跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣徒巴尔巴娜。前者穿着沉重的法衣，恭敬地望着圣母，用手指着喧嚣的人间；后者目光下垂，虔敬里略带羞怯，似在为母子俩祈祷。两个长着翅膀的安琪儿嘲讽地望着人间。圣母妩媚优雅、气度高贵的脸上流露出惊异的神情，眉宇之间充满了忧郁，为了拯救全人类，她将不得不牺牲自己的爱子。基督殉难处正在前面好不容情地等待着她，但她还是义无反顾地来了。风吹乱了小基督的头发，他紧紧地依偎在母亲怀中，睁着大眼睛望着人间，目光里充满了惶恐和不安，似乎他已明白这里将要发生的一切。拉斐尔在《西斯廷圣母》中出色地表现了光明与黑暗之间的对抗。 果戈理说，拉斐尔是一位崇高的艺术神化创作大师。他天才地吸收了达芬奇的艺术精华和米开朗基罗苍劲有力的创作风格。瓦萨里认为，拉斐尔的画，他的画中人物“与其说是用颜色和线条构成，倒不如说是用血和肉组成。”被认为与达芬奇的《蒙娜丽莎》并驾齐驱、不分仲伯。
《雅典学院》现藏梵蒂冈博物馆拉斐尔为梵蒂冈宫绘制的三幅巨型壁画之一。这幅《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上“黄金时代”的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热烈，好像在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧 ）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好像在说明：现实世界才是他的研究课题；柏拉图则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想上的原则分歧。其余的人，众星托月，有的在注视，有的正在谛听这两位老人的谈话， 自然地形成几个小组。 现在再介绍上层台阶上的人物：左上方柏拉图的一侧，一个大胡子老人沉浸在思考中，苏格拉底刚转身向旁人阐述伦理学上的论据，自左向右第五人是个青年军人， 名叫阿尔西比亚底斯，他的背后有一个人正在招呼走来的两个青年。右上方亚里士多德的一侧，两个倚在壁龛墙基前的青年，一个在写着，一个在思考，另一个黑袍人物却孤独地站着，这3个人与左面的一组，在动势上是相反的。 台阶下面的左侧，以坐在地上专注地书写着的数学家毕达哥拉斯为中心，一少年在旁给他扶着木牌，牌上写的是“和谐”的数目比例图。在他背后一个老人正在记录毕达哥拉斯的论据数，后面那个伸着脖子、头缠白巾的学者，即是回教学者阿维洛依。画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼。这位学者主张除了自然需要之外，其他任何东西，包括社会生活和文化生活都是无足轻重的，所以他平时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，他 与右侧正往台阶上走去的两个人物相联系，同时又与左下角那个倚靠在石桌前沉思的学者赫拉克里特彼此呼应。赫拉克里特形象孤单，据许多学者考证，认为是拉斐尔参照了米开朗基罗的《创世纪》壁画里的一个预言家圣耶利米的形象的结果。事实上， 这里的许多形象，体格壮健，动作有力，与米开朗基罗的艺术形象颇有联系。更有意思的是，柏拉图的头像正是画家以达•芬奇的头像为范本的，可见拉斐尔对前述这两位大艺术家的崇敬心情。 这幅画的色彩处理也很协调，建筑背景全是乳黄色的大理石结构，人物的衣饰有 红、白、黄、紫、赭等色相交错。透视法的水平是很高的，它不仅增强了画面的空间深远感，连地面的图案，拱顶的几何装饰结构，都精确到可以用数学来计算。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不 同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。整个壁画洋溢着浓厚的学术研究和自由辩论的空气,所有的人都是那样毫无拘束地按照自己的意志和个性在进行活动,他们或者在一起侃侃而谈,或者是独个儿在那里进行思考,人物或立,或坐,或缓步走动,人文主义的艺术家总是设法使画面上的人物享有充分的自由。如果说米开朗基罗的壁画是在颂扬人的无限强大的意志和创造力,那么,拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。此画中,拉斐尔不仅塑造了那些思想家的典型形象,揭示了他们各自不同的性格特征和丰富的精神面貌,而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点,把画面上背景,建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来,扩大了壁画的空间效果,使建筑物显得更加宽敞,壮丽。

意大利文艺复兴画家  乔尔乔内
乔尔乔内  Giorgione (1477～1510) 是第一个真正意义上的意大利威尼斯画派画家，架上画的先行者。早年师从威尼斯画派创始人贝利尼，后来发展了老师的成就。其作品构图新颖，色彩柔合具有丰富的明暗层次，情景与人物配合和谐。这一画风直接影响了提香及后代威尼斯画派画家。与达•芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等并列为最伟大的画家。    乔尔乔内原名乔尔乔•巴巴雷里•达卡斯特弗兰柯，乔尔乔内是他的乳名。出生于意大利威尼斯附近的卡斯特弗兰柯小镇，後来迁居威尼斯，他追求个性解放和享受生活乐趣，长于谈吐，善于交往。他热爱自然，喜欢唱歌，弹得一手好竖琴，他的笛声能引得少女神魂颠倒。威尼斯画派成熟时期的代表人物。关于他的生平记载很少，留存于世的作品也极为有限，虽然数量少却均堪称稀世精品，而且其中更洋溢着一种神秘的难以琢磨的特色，于是後世称他为：“神秘画家”。 乔尔乔内对女性的裸体及景物的刻画极为见长--细腻中偏重柔美，据说这是他与佛罗伦萨大师达•芬奇切磋的结果。芬奇的“远近画法”深深地吸引了他，在他的作品中随处可见对远近景物的精心雕琢。乔尔乔内与威尼斯画派的另一位大师提香是好友，他们共同分享艺术上的心得，共同在一起创作；提香为早逝的朋友的《睡着的维纳斯》、《田园合奏》做了补笔，并在艺术的道路上走得更远。他们都死于流行威尼斯的鼠疫，乔尔乔内那年刚刚32岁。 乔尔乔内的艺术成功之处在于始终致力于表现一种人与自然和谐的美、一种诗哲的意境，他突破了传统上人物奴役景色的画法，使绘画真正做到了情景交融，人景难分的高妙境界。深禀音乐天分的他，融入作品一种莫可名状的恬淡灵性，呼唤着田园牧歌式的情感回归，这一点是同时代的画家的作品中所不具有的。 《睡着的维纳斯》、《田园合奏》正是这种艺术风格的体现。《睡着的维纳斯》表现了侧卧在绿茵上美神，人间的诸般烦扰似乎都与她没有丝毫关系，酣然中有一丝绝妙的空灵；《田园合奏》是画家最负盛名的作品，青年男女在田园牧场上纵情欢歌，跃动的生命从健康的肉体中迸发进而升华成一种对自然灵性的呼唤。瓦萨利在他死後30年写道：“大自然赋予他如此轻而易举和顺利成功的天姿；他的油画和壁画中的色彩忽而活泼鲜明，忽而柔和平稳，并且把从明到暗的过渡画到如此程度，以至于当时的许多优秀大师都承认他是一个生来就使人体富有生气的画家。”他对大自然的色彩变化有着超凡的敏锐洞察能力和表现能力，他的目光能透过千变万化的阳光，捕捉到色彩变化的精髓，并且能生动地呈现在画布上。由于他画了美丽的威尼斯，人们这才发现威尼斯光彩绮丽的美，他用天才的笔触画出青翠的山坡和陡峭的悬崖，人们这才注意到威尼斯风景所呈现出的明暗差别，怪不得有人说威尼斯的美是乔尔乔内画出来的。