《杜普教授的解剖学课》17世纪的荷兰，除了盛行风景画、风俗画和静物画，还盛行肖像画。而且，经常有某一个团体或行业公会集体出资向画家订制群体肖像画。1632年，年近26岁的伦勃朗应著名医学家杜普教授和其他七位医生的要求，绘制一幅群体肖像画。在画中，作者不仅把每个具体人物的形象、动态、表情，表现的真实动人，而且，以前所未有的形式把具体人物和具体事件结合起来，使荷兰传统的群体肖像画从简单人物排列的表现方式转换成了更具有典型特征和深刻内涵的全新的人物表现形式。在画中，画家着重突出了杜普教授。他独坐在一边，面对着七位学者，一边做着解剖一边阐述着人体的结构原理。七位学者：有的情不自禁地凑上前来吃惊而专注地看着教授所示的地方；有的手拿教材默默地思索；有的好象茅塞顿开；有的又好象如梦初醒……这丰富多采的表情，这鲜明的个性，这生动的姿态，在这冰冷、苍白的尸体的反衬下显得异常生动。

库尔贝（Courbet,1819-1877）
出生于法国东部小镇奥南，祖父是法国1789年大革命的雅各宾党人，父亲是葡萄园主，后来做过地方行政长官，库尔贝幼年就接受过革命思想影响。29岁的库尔贝到巴黎学习法律，后来竟成了自学成功的画家。库尔贝天生具有浓烈的艺术气质，他的自我为中心的意识很强，总是以俯视的高傲神态看待世界和人生，他十分关心社会，积极参加革命活动，巴黎公社时期曾任公社委员和艺术家协会主席，他的名字和所有巴黎公社的英雄并列，在艺术中主张现实主义，他宣称：“现实主义艺术就其本质来说是民主的艺术。”他所创造的艺术，是不加人工修饰再现他周围的现实生活，如《石工》、《筛麦人》等。库尔贝是一个天生性格直率的男子汉，那些学来的社会习气丝毫掩盖不住他那真正的阳刚气概。他的一生命运多舛，不仅因为他争强好胜，有虚荣心，主要是他对被压迫者富有同情心和正义感，所以他献身于无产者革命事业，为这个理想，他可以牺牲一切。19世纪中期库尔贝已经是位有世界声誉的画家，受到世界进步人士爱戴，拿破仑三世为收买他，授给他荣誉勋章，却被他拒绝了，他说：“除了自由制度外，他从未从属过任何其他制度”。他赢得人民给予的最大荣誉和爱戴，1870年巴黎美术家拥护他为国家艺术品保管委员会主席。巴黎公社失败后，他被捕入狱、示众、罚款，最后被迫流亡瑞士，死于贫病交加之中，终年58岁。
《画室》的全名叫《画家的工作室——一个现实的寓意，概括了我7年来艺术生活的情况》。画家的立意在于展示自己从1848年以来的艺术创作生涯，并寄寓一种意味深远的社会哲理。画家把7年来对生活和思想有影响的朋友和他曾经画过的模特儿集中画在一个画面上。另外还集中了上流社会各个阶层的形象，表现一个法国社会的缩影。在这幅画中描绘了三十多人，每个人物都有自己的寓意：画面中间是画家自己正在画一幅风景，画前小孩代表“无邪的眼睛”；裸体女模特儿代表画家心目中的缪斯，或真理；画幅背后一个十字架上钉着圣徒圣赛巴先，代表僵死的学院派艺术。围绕这个中心画面分成两部分：右边坐着看书的是诗人波德莱尔，他象征“诗”；前面站立一对男女，为“绘画的鉴赏者”；依次每个人都有象征意义：“散文”、“哲学”、“音乐”等。画的另一部分，大多是画家画过的模特儿，可谓集社会上之三教九流，他们被隐喻为贫困、忧郁、被损害者和被剥削者。总之画中出现的人和物都有一定的寓意，看来十分费解，但它体现了画家的民主思想和现实主义的艺术方向，蕴含着库尔贝对资本主义社会现实抱着怀疑和批判的态度。人们不得不承认这幅画构图的完整、画面气氛的和谐，以及色彩的统一是无与伦比的，画面中心的裸体更是美妙绝伦。有人认为丢在地上的粉红色衣服就是一幅极好的静物画。这幅巨画显示了画家很强的把握复杂构图的能力以及画家写实的造型和色彩技巧，画的物象具有充分的质感和量感，这一切都表明库尔贝是伟大的现实主义大师。1855年，巴黎举办世界名画展览，评审委员会拒绝接受库尔贝的这幅《画室》，原因是太具有社会主义性质。于是画家决定就在世界名画展附近租一间房子单独展出这件作品，并题名为“现实主义展览馆”，同时发表“现实主义宣言”，现实主义艺术流派因此而得名。
《石工》1849年11月20日库尔贝给友人的信中提到：“我乘四轮马车，在路途中我停下来看了一下两个在路旁打石头的工人。比这更充分地表现出贫困的场面，是不大容易碰见的。”后来画家邀请了两位贫民到自己的画室里当模特儿，创作了《石工》。画家在谈到这幅画的创作构思时写道：“《石工》的情节发生在烤人的太阳下，在道旁的沟边。石工的形体微微地突出在高耸的绿色山坡前，山坡几乎填满了整个画面，上面飞驰过一大层云影。仅仅在画面的右角，在山坡后面，可以看到一角蓝天。这儿丝毫没有虚构的东西，我亲爱的朋友！我每天散步时都看到这些人。而且，这个阶级的人们往往就是这样度过一生的。”《石工》是现实生活中最底层社会劳苦人的真实写照。因此，有人指责他的艺术“与其称之为现实主义，还不如称之为自然主义更为合适”。这种评价是不公平的，画家是有深意的，他要描绘这个社会的不公平和不合理，他在现实生活中发现了这一情节最能表达他的思想，他抓住它，并使之再现于画面，体现了典型环境中的典型人物，揭示了社会的本质，这与纯粹的自然主义有着本质的区别。

戈雅
西班牙浪漫主义画派画家。戈雅是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。画风奇异多变，从早期巴洛克式画风到后期类似表现主义的作品，他一生总在改变，虽然他从没有建立自己的门派，但对后世的现实主义画派、浪漫主义画派和印象派都有很大的影响，是一位承前启后的过渡性人物。父亲是农民，家境贫寒，没有受过正规的教育，两次投考圣费南多皇家美术学院，都没有被录取。(另一說為沒有拿到獎學金而作罷)经弗朗西斯哥•巴耶乌的推荐，为宫廷承担绘制壁毯画稿，其草图明显受当时宫廷指导的古典主义风格影响。后来他有可以进出宫廷，自己研究委拉士开兹的作品，将宫廷收藏的委拉士开兹的作品翻刻成蚀版画，形成自己的风格，他曾经自称自己有三位老师：委拉士开兹、伦勃朗和自然。1789年国王任命他为宫廷画师，在此期间他画了许多宫廷成员及贵族的画像，明显受委拉士开兹画风的影响，当时西班牙是一个宗教法规严厉的国家，禁止描绘裸体，他敢于画《裸体的马哈》(马哈是西班牙语“姑娘”的意思)。因耳聋辞去美术院职务，开始创作带有色彩的蚀版画，用风俗画的方式讽刺教会和国家，1803年完成创作了版画组画《狂想曲》，用各种希奇古怪的人物代表来进行讽刺。拿破仑入侵西班牙后，他于1814年创作了《1808年5月2日》和《1808年5月3日》两幅油画，用色尖酸刻薄，一反其以前和谐的颜色。后来有画了许多关于战争、死亡、疾病的主题。
1800年他创作了《国王的一家》，塑造的是登上王位的查理四世及其妻子、儿女和亲信，共12人。查理四世曾赐予戈雅"第一位画家"的头衔，但从这幅画像上看，戈雅却没有将"第一位西班牙人"的称号给予查理四世。他以现实主义手法，无情地揭示了见识短浅，只喜欢打猎的国王和凶狠、狡猾、丑恶的王后的本性。王子和公主的面孔也都是那样幼稚无知。戈雅将他们令人反感的仪表、精神的贫困和渺小再现得赤裸裸、毫无修饰，他创造出了一张"衰落中的皇族"画像。但是国王和王后却很喜欢这幅画，并引以为傲，他们看到的是一个伟大的皇家被画在一幅巨大的画布上。
《着衣的玛哈》和《裸体的玛哈》：在封建君主制的西班牙，笼罩着封建专制和黑暗的宗教裁判所的阴影，一切人性的艺术受到摧残，因此在西班牙的绘画中很少有像意大利那样开放的人体艺术。委拉斯开兹的《镜前维纳斯》已是极为难得，而且还是借助于神话故事，而戈雅却描绘现实生活中的裸体玛哈，大胆地向禁欲主义挑战。作品中着意表现了人性美和人体美。画家画了两幅同样的构图的玛哈像，一幅是全裸体，另一幅则为着衣像，事实上画中女子并非平民，而是平民装饰的贵族女性。画中人究竟是谁呢？说法不一，大多数人认为是阿尔巴公爵夫人，这位美丽的夫人曾使画家倾倒，极有可能是为她而作，也有人说她是位富商的妻子。这位夫人十分美貌动人，尤其是她那温馨丰腴的肉体更诱发画家的创作冲动，画裸体因世俗所不容，画家同时又画了一幅着衣像以掩人耳目。据说后来画裸体的风声走漏，富商立刻寻找画家决斗，当这位鲁莽的商人提剑冲进画室时，看到的却是着衣的夫人躺在那里，这使盛怒的商人十分尴尬而去。这幅画的构图仍然没有超出乔尔乔内和提香创造的《沉睡的维纳斯》样式，所不同的是戈雅笔下的玛哈是世俗的，具有真实的血肉躯体，躺在真实的生活环境之中。画家画裸体玛哈以全开放的造型，使玛哈的肉体和精神完全袒露无余。她双手枕于脑后，身体微侧，右腿微 拥着左腿略显羞涩之态，整个身体仰卧在绿色的土耳其长榻上，身上起伏富有流动的曲线变化，尤其是隆起的丰乳和突出的臀部，使身体的曲线变化形成节奏感；垫在身下的柔软的枕垫不规则的形态和褶纹变化与单纯的肉体形成对比变化。画中人注视着这个现实世界，隐含着难以捉摸的诱人的微笑。这幅画产生了一种奇特的审美效果：它既吸引人，又使人想躲避；她很美令人留恋向往，但是她大胆无忌地袒露胸怀，又使人望而生畏，人性的真诚和世俗忌讳的矛盾使这幅画神秘而迷人。两幅躺着的妇女肖像画，给戈雅带来了很大的声誉。两幅《玛哈》画的是同一个人，姿态和面部表情完全一样。一幅是裸体，用非常高超的技巧画成，姑娘的脸充分地表现了内心活动，她更温柔、灵敏和娇媚。描绘裸体女子是西班牙宗教裁判所严厉究办的，这是戈雅以前西班牙艺术中仅有的一幅女裸体画像。 《著衣的玛哈》穿一件长长的白色透明的薄绸衣服，束玫瑰色宽腰带。玛哈枕着枕头躺在一张卧榻上，胳膊交叉放在头下面，暧调子的红褐色背景，使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的织物的浅绿调子显得热烈兴奋。有个有趣的典故,戈雅给漂亮的女公爵情妇画了张裸体画,女公爵的丈夫闻讯赶来,戈雅立刻用油彩在裸体上画了一件衣服.名为穿衣的玛哈,掩盖了事实的真相。
《5月3日夜杀起义者》是抗议民族压迫、控诉侵略战争残暴的最有力的作品之一。深夜，一队动作统一的刽子手正在枪杀被抓来的起义者。刽子手们是一帮机械的、无情的、铁石心肠的人，在画面上看不到他们脸。起义者们表现出愤怒、不屈和仇恨，也有面临死亡的惊恐和哀痛。在已经死亡和正在英勇地死去的人们中间还有几个站着的人。中心人物是一个对着枪口的白衣起义者，伸开双臂向死亡挑战。不祥的天空，夜间的黑暗，令人不安地若隐若现的灯火，都加强了现场的悲剧感。戈雅以炽烈的感情再现了那场骇人的暴行。1808至1820年创作的版画集《战争的灾难》是他创作上的高峰。画集分为两部分，第一部分表现了1808至1813年西班牙人民对拿破仑的英勇斗争，第二部分反映了斐迪南七世反动统治的痛苦年代，共有82幅画。画集中他揭露了征服者的残忍和凶暴，也塑造了真正的英雄人物。在第七幅版画中他描绘了一位踏着战友的尸体单独站在大炮旁点燃引火线的纤秀少女。她在全体炮手倒下去的时候一个人继续战斗。戈雅在题词中赞美道："多么勇敢啊!"画集最后的一些画流露出了失望的痛苦和悲观的情绪。 在这套富有表现力的作品中，他弘扬了西班牙爱国者的坚强和勇敢，以及最凶恶的敌人所不能挫败的顽强斗争意志。他成功运用了线刻腐蚀与松香飞尘腐蚀的综合技巧，使之具有戏剧表现的特殊力量。在艺术上这套画集也达到了完美的程度。
《1808年5月3日夜杀起义者》: 这幅画反映了1808年人民反抗拿破仑侵略的历史事件。在这幅画中，戈雅并没有把起义者看做是失败者，而是把他们描绘成为英勇顽强、临危不惧的英雄，这与那些内心怯弱的刽子手形成了鲜明的对比。画面上被屠者的前排里站着三个人，右边的一个是僧侣，正在作最后的祈祷，中间是一个神情坚定的农民，他抬头望着夜空，在农民身旁站着的是一个起义的市民，他正暴怒地举起了双手，好像在厉声咒骂敌人。而画中刑场的背景是马德里的郊外，作品画面上的色彩对比强烈，光源从下面照射上去，更渲染了动荡不安的气氛。 1808 年拿破仑的雇佣军入侵西班牙，腐败无能的卡洛斯王朝不战而降，不甘心做亡国奴的西班牙人民奋起反抗。5 月2 日，首都马德里附近的爱国志士在太阳门下发动了反抗侵略的武装起义，不幸起义失败，法国军队逮捕了大批革命志士。接着，法国军队无视西班牙的独立地位，未经过任何法律程序，于5 月3 日的晚间和次日凌晨，枪杀了数千名起义者。极富爱国热情的画家闻知这一惨绝人寰的事件，极为愤慨和恼怒，挥笔创作了这幅揭露入侵者暴行，讴歌人民爱国热情的历史画——《1808 年5 月3 日夜枪杀起义者》。正如画家本人说的那样：“我要用自己的画笔，使反抗欧洲暴君的这次伟大而英勇的光荣起义永垂不朽。”画面上描绘的正是这一悲壮惨烈的一幕。灰暗的夜幕下，一束强光照射在起义者身上，他们中有神甫、教士、市民和农民，他们的表情有的愤怒、不屈，也有的惊恐万分、面露恐惧。画面的中心是一个穿着白色上衣的市民，他高举着张开的双臂，愤怒地瞪着敌人，有一种不服和恼怒，恨不得与敌人同归于尽或极为不甘心的神色。他的右边是一个饱经沧桑的农民，伸着脖子，一副大义凛然、视死如归的样子，对他来说，死亡或许是一种根本的解脱。再右边是一个善良的神甫，他低着头，握着拳头，正在为地上死难的同胞默默哀悼，而对于自己所面临的绝境，已经置之度外了。他们的身后是两个年轻人，他们显然极为恐惧，一个面露怯色、惊恐万状；另一个绝望地双手捂面，不知所措。在他们的脚下，躺满了已经被屠杀的同胞，血流满地。他们的左边，即将被杀的人群排成了长长的队伍，看不到头。画面的右边，一队荷枪实弹的法国士兵正举枪瞄准这些正待处决的起义者，这些行刑者看不到脸面，只有平举的成排枪管发着寒光，让人想到这些杀人机器在手无寸铁的百姓面前的凶狠、残暴以及外强中干的本质。这幅作品描绘得极为出色，画家采取了对角线的构图方法，使整个画面显得丰富饱满，立体感很强，并充斥着艺术的张力。色彩的运用也极为完美，士兵身后的黑影和远处的夜色交融，是衬托色，是色彩的最低层次。这些色彩与士兵和死难者黑色、银灰色的衣服形成了色彩的交相呼应，并且士兵与死难者衣服的色彩也很相近，过渡得自然、和谐，使画面浑然一体。画中张开双臂身着白色上衣，被强灯光照射的人是全场色彩最亮丽的一个，这是色彩运用的最强层次，突出了枪杀的主题，使画面的色彩达到了最高点，也把画面的恐怖气氛渲染到了最高点。这幅画是戈雅最引人注目的作品，也是西班牙绘画史上不朽的爱国主义历史画杰作。