中央美术学院版《外国美术简史》考研笔记(10)
本站小编 免费考研网/2018-03-11
马奈受过良好教育,养成一副绅士派头,自视清高,热情奔放,不受拘束,追求独立自由,他反对保守,同情进步,维护共和主义,具有自发革命意识。19岁参加过革命暴动,还曾和德加、巴齐依参加过国民自卫军,年轻画家巴齐依阵亡。他同情巴黎公社起义,还被选为公社艺术家联盟委员,这些都是他对自由的忠诚和浪漫的激情所致。当他把全部渴望自由的生命和热情转向艺术时,他在绘画中开辟了一个新时代。29岁的马奈在沙龙展出《西班牙吉他演奏者》,在巴黎画坛上崭露头角。他的画具有古典造型基础,又有明亮鲜艳、光与色的整体表现,仍保持着形象的真实感。
1856年,马奈建立画室。这一年,他到荷兰、意大利和德国旅行,萍心地临摹过委拉斯贵支和提香的作品。1859年,他首次向沙龙送去作品,但被评审委员所拒绝。1861年,他的《弹吉他的西班牙歌手》等两件作品入选,并在展出时获奖。1863年,他的大幅油画《草地上的午餐》以“有伤风化”的罪名被拒绝;随后,油画《奥林匹亚》受到批评家的谴责。于是,他仿效库尔贝的做法,结合一部分落选画家,举行了《落选作品展览会》 (落选沙龙)。对于这些作品,舆论褒贬不一,狂热的吹捧和刻薄的讥消都达到空前的水平。1867年,同世界博览会相对抗的马奈作品展开幕。马奈在目录册的序言中写道:“马奈先生根本无意于提出抗议,相反,是别人对他提出了抗议。而这是非他所料的,这些反对者都是以传统的观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们不承认其它的理解方法。他们在这方面表现了一种幼稚的偏见。除了他们的公式,一切都毫无价值。马奈先生一向承认别人的才识,从不妄想消灭先前的绘画或创造新的绘画。他只不过是要做他自己,而不想去做某一个别人。”他的努力得到著名作家左拉的支持,左拉化名克洛德,在《事件》报上预言:青年马奈的作品必将在卢佛 宫占有一席之地。这一预言在马奈死后的1907年终于兑现。这一年,由法国总理克列孟梭签署命令,将马奈的《奥林匹亚》一画置于卢佛富陈列。
马奈并不分成印象派的色彩理论,与印象派之排斥黑色不同,马奈却是十分善于使用黑色的。它像乐队中的定音鼓,使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。在瓦伦斯的肖像中,裙子的黑色正是起到了这种作用。1812年,马奈在巴提约尔街的画室成为青年画家向往和聚会的地方。后来成为印象画派成员的莫奈、德加、雷诺阿等人,经常在此聚会,马奈成为他们心目中的领袖。但是,马奈不赞成印象派的观点,也没有参加过印象主义者的画皮,所以,他不是印象派的成员。1883年4月30日, 马奈因疽毒症不治身亡。,数万人参加了他的葬礼,著名画家埃德加.德加,望着长长的送葬者行列,深深地感慨道: “马奈比我们想像的更伟大!”
《吹笛少年》:《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时,注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面,然后突然转入暗部,将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘,用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影,没有视平线,没有轮廓线,以最小限度的主体层次来作画,否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。 自然主义作家左拉曾在这幅《吹短笛的男孩》面前赞叹道:“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”虽然现在看来,这幅画给人带来的震撼并未见得有多强烈。然而在马奈那个时代,这幅画的好处恰恰在于叛逆,不合当时的礼教。第一没什么内容,第二没有什么深意,就是个小男孩,什么都不代表,什么都不说明。而且马奈画的时候非常快,完全变革了以前的画法!当时官方沙龙展的评委们都不愿意收这幅作品,谁又想到100多年后,这幅画市值8亿人民币。权威评价:19世纪60年代,刚刚摆脱第一任老师库图尔的权威的马奈,又遭到同时代人的不理解,他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇怪的印象,遭到许多批评,例如这幅《吹短笛的男孩》,被1866年的官方沙龙展的评判委员会拒绝。这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛,这是一种声音尖锐的木制小笛子,它用于引导士兵投入战斗,笛子的名称成了画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上,画底没有给出一个确切的空间,仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景,是受黄金时代的西班牙画家,尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪,马奈不久前去马德里旅行期间,对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的,避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象,马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的,这一点从投到地上的短影可以得到证实。马奈很早就参军了,是一名水兵,他以怜悯的目光看着这个孩子兵,为因画画需要而穿上的这身行头感到骄傲。他的全部注意力都集中在这身由红、黑、白、金色装饰的完美军服和短笛的金色金属套上。用白色布带束住的乐管在男式紧身短上衣的深色呢绒上和裤子的茜红色呢上闪闪发亮,短上衣上饰有铜钮扣。紧束孩子的上半身的布带形成一道亮光,与白色的鞋罩相映衬。只有孩子的脸和手有生气,与有点僵硬、看不出细节的侧影形成明显的对照。马奈的同时代人指责这缺少厚度,处理过于简单,像是厄比纳尔城印出来的天真的民众像。背景与人物之间没有配景,也没有联系,这些也使人物显得不真实。人物用大色点处理,很像扑克牌上的人头像和日本的铜版画。马奈的《吹短笛的男孩》普遍受到好评,这幅画是马奈对很少被印象派画家画的军队主题的一个无视传统观念的挑战。
马奈的成就主要体现在人物画方面,第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画,开创了印象主义画风。马奈早年受过学院派的六年教育,后又研究许多历代大师的作品,他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法,表现人物的实在,从这里可以看到莫奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。
马奈并不分成印象派的色彩理论,与印象派之排斥黑色不同,马奈却是十分善于使用黑色的。它像乐队中的定音鼓,使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。在瓦伦斯的肖像中,裙子的黑色正是起到了这种作用。1812年,马奈在巴提约尔街的画室成为青年画家向往和聚会的地方。后来成为印象画派成员的莫奈、德加、雷诺阿等人,经常在此聚会,马奈成为他们心目中的领袖。
《草地上的午餐》:《草地上的午餐》是法国写实派与印象派画家马奈创作于1862年和1863年间的一幅布面油画。原本名为《浴》。是画家效法卢浮宫内一幅乔尔乔奈的《乡村音乐会》(又名《田园合奏》)的构图,但它毕竟不是16世纪威尼斯那种田园诗绘画。画上那个裸体女子就是他在早期画的《穿斗牛士服装的维克多莉娜•默朗》中的模特儿默朗。她是马奈从街上领回的一个妓女,长期为画家充当模特儿。画家让她在这幅画中表现裸体坐在林中溪边的草地上,与两个穿衣绅士(费迪南和马奈的兄弟-欧仁.马奈)作伴;左侧前景有一只翻倒的篮子,食物滚出篮外,又在后景的湖池边,添画了一个只穿衬衣的女人,俯身站在水里。这是一种精心安排的“野餐”,是画家为寻求色彩对比的大胆试验。这一构图惹恼了绘画界的许多头面人物。围绕马奈的这幅画,评论界竟也划分成两个营垒。双方短兵相接。
画中几个人物构成一个互相交错的三角形,两位男子和裸体女人的肢体互相交缠,这样就把此画的性恋的含义凸现了出来。马奈把这种含义表达得很清楚,他把费迪南抬起的右手和左手、维克多莉娜露出的左脚处理为统一颜色,同一纹理,并把费迪南抬起的手画在中心位置上,那是一个解剖三角形的顶.有人指出这就是传统上所说的男女交乱的象征,本来在库丢尔画室里已为人所熟悉马奈的名字,如此一来,几乎挂到了每个关心画展的巴黎人的嘴上了。
1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境,把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起,画法上对传统绘画进行大胆的革新,摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调,代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块,这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中,中心展开了一个有限的深度,中间不远的地方那个弯腰的女子,成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。
修拉-“新印象派”的艺术与科学
乔治•修拉(1859-1891) 是诞生在色彩、光学革命中最早的艺术家。在其短暂的一生中一直在艺术科学化的道路上坚持不懈地探索,取得了丰硕成果。修拉之前人们通过“日光-棱镜折射实验”得出白光是由不同颜色光线混合而成的结论,通过开普勒近代实验光学理论去研究过色彩。到19世纪下半叶,研究色彩学的专著开始出现。在艺术创作中印象派的马奈最早打破了传统的棕褐色调,引入外光使变得画面明亮起来。而莫奈侧重用光线和色彩表现瞬间的印象,追求绘画中色彩关系独立美。总体来说修拉之前人们始终未能把光学和色彩学理论理性的用接近科学实验的方式进行艺术创作,仅仅局限于对光学的简单应用,没有研究出全新的绘画技法。修拉把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验结合起来,把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间、以及在色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来。强调不在调色板上调和各种颜色,强调严格地从色彩规律出发,把各种单纯的单色通过细小的笔触并列在画面上,经过观者的视觉作用达到自然调和,这就是至今仍然被广泛应用的“色彩空混”技法。
法国画家。新印象画派(点彩派)的创始人。生卒于巴黎,他早先是进了巴黎的一所素描学校,然后又在巴黎高等美术学校学习了两年,在勃莱斯特志愿服役了一年。随后,他继续在卢浮宫研究古代希腊雕塑艺术和历代绘画大师的成就,从委罗纳斯、安格尔到德拉克洛瓦,还埋头攻读勃朗和谢弗勒尔的论述色彩的科学资料。认为印象派的用色方法,不够严格,不免出现不透明的灰色。为了充分发挥色调分割的效果,用不同的色点并列地构成画面,画法机械呆板,单纯追求形式。他把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验地结合起来,把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间,以及色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来,对20世纪几何抽象艺术有很大的影响。由于修拉出生在法国巴黎一个富裕的家庭,这使他可以一边汲取各种要素,一边用充足的时间发展自己独特的艺术风格。在国立美术学校亨利•勒曼的教室里掌握了传统技法基础的修拉,在对德拉克洛瓦、米勒到巴比松画派和印象派以及更近的艺术家作品的研究基础上树立了自己的绘画风格,同时,广泛阅读色彩学、光学和美学等方面书籍,以及对理论的探究,对修拉发展其独特的风格起了极其重要的作用。他说:“如果只被一瞬间光的效果所吸引,那还能够捕捉到永恒吗?” 修拉认为印象派画家们无视构图这一绘画的根本。因此,他决心遵照客观而科学的原理,从每个细节出发来组织作品,站在了与印象主义完全相反的立场。西涅克邀请修拉参加印象派,向他炫耀了纯色的优越性.从此,两位朋友便在画布上堆起与环境、阳光、颜色的相互作用相符合的小圆点来.为了更好地平衡这些因素,并使它们互相渗透到只有极小的差异程度,他们采用了不在调色板上调色,而用小圆点,纯色色点进行点彩的办法.在一定的距离上看去,这无数的小点便在视网膜上造成所寻求的调色效果.从此,同时对比法则(很快便伴随有对线条方向象征意义的研究),点彩法,纯色和光学调色法,便成为修拉艺术的主要成分,他按照这些方法,画了一系列大幅构图以及一大批动人的晴朗风景.
修拉精通“色彩同时对照”理论。按照这一理论,红与绿、黄与紫、青与橙等这些互为补色的颜色被相邻放置时,其色彩显得最为鲜艳。但是,将这些颜料在调色板上混合后,其色彩便会暗淡。修拉还参考了进一步发展了的谢弗勒尔理论和奥格登•路德的著作,使这种技法有了长足发展。由于他完全是靠更加暗淡的色点的组合来表现立体感和阴影,所以就不必再描绘线条和轮廓。同样,在远近感方面,可以靠在近景处涂画大的色点、远景则涂画小的色点来表现。对于其他绘画上的效果,他凭借对笔触的方向进行各种改变也使之成为可能。修拉对色彩进行研究的同时,对线条问题也进行了各种研究。对线条所具有的表现力,苏佩维尔的理论认为“线条可以述说、象征”。根据他的观点,上升的线条表示快乐,水平的线条象征寂静和休息,而下降的线条则暗示悲哀。亨利进一步发展了苏佩维尔的理论,将喜悦、悲哀、愤怒等情感的波动与色彩结合起来。亨利的理论中,快乐与赤、橙、黄等暖色调相结合,悲哀则用绿、青、紫等冷色调来表示。 修拉在作为画家不断向前发展的过程中,对这种观点愈发热衷。在他的头脑中,反复出现的“水平线条可以表现静谧、平和”的想法根深蒂固但是,巧妙地使用众多有节奏的上升线条,以有意识地表现愉快的尝试。在人物的描绘方法上,修拉也是十分独特的。修拉的目标是赋予自己的作品以超越时代的性格。因此,如同古希腊带状装饰的浮雕或者动脉的象形文字一样,他将人物公式化后再加以描绘。 《大碗岛的星期日下午》的成功,产生了众多的模仿者,但他们中的大多数人都没有理解修拉的绘画原理。在模仿者眼中,分割主义只是单纯的技巧,一旦失去了新颖便对其不再理睬。19世纪末,这种风格虽然衰落了,但是,他给野兽派的画家们却带来了重要的启示。
《大碗岛的星期日下午》:《大碗岛星期日的下午》这一幅巨作,修拉整整花费了两年的时间。他每天早上到海边写生,下午回到画室里研究构图和色彩。为了摄取正确而且逼真的写实效果,他还对当时流行的服饰和发型等进行了深入的研究。比如为了真切表现画面前景一个妇人用鲸骨支撑而高高隆起的裙子,他曾经买来同样的实物拆开来观察,作了大量的黑白写生和笔记。据统计,为创作"大碗岛星期日的下午"一画,修拉共制作了400幅素描稿和颜色效果图。在画面中,共有40个人物,每一个形象都是画家经过千锤百炼概括而成。他们好像彼此毫无关系地被摆放在一起,画面上却洋溢着一种宁静而幽雅的秩序美。该幅作品画面用静谧、冷漠的色点组合,描绘了盛夏的一个星期日下午,大碗岛河畔草地上由休憩游玩的各式人物构成的场景。无数细小的色点创造出一种夏日炎炎自然光中闪烁颤动相似的极明亮、绚烂的效果,给人一种阳光闪耀、影影绰绰的幻觉。画中人物大多没有什么动作,只有块面组成的剪影似的形体,分不出五官细节,更看不出个性特征。整个画面在色彩的量感、主从关系的对比中取得了均衡与统一。这幅作品创作中“色彩空混”原理的积极作用表现在:当我们欣赏这幅画时,新鲜光亮的色彩,扑朔迷离、若隐若现的场景仿佛真的使我们置身于盛夏的大碗岛,成为游玩人群中的一员,沐浴着灿烂的阳光,享受着星期日轻松、愉快的时光。
修拉还力求使画面构图合乎几何学原理,他根据黄金分割法则、画面中物体的比例等制定出一种定型的构图类型。这幅画中运用了大量的垂直线和水平线,其景物的配置和人物的安排都遵从一种严格的几何分割关系。画面中间领着小孩的妇女正好被置于画面的几何中心点。这些足以使我们看出修拉把科学规律当做艺术创作最好准则和理论高于画家的感觉和直觉。
文森特•梵高
荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱,并深深影响了二十世纪艺术,尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品,如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等,现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日,梵高终因精神疾病的困扰,在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命,是年他才37岁。 《向日葵》、《包扎着耳朵的自画像》、《星月夜》等,都包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。当时他的作品虽很难被人接受,却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。 法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等,都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面,得到启发,形成了各自不同的绘画流派。 梵高摒弃了一切后天习得的知识,漠视学院派珍视的教条,甚至忘记自己的理性。在他的眼中,只有生机盎然的自然景观,他陶醉于其中,物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体,他用全部身心,拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角,距他去世时只有八年。
1.印象主义:梵高着意于真实情感的再现,也就是说,他要表现的是他对事物的感受,而不是他所看到的视觉形象。 梵高在巴黎结识了印象主义画家之后,他的调色板就变亮了。他发现,他唯一深爱的东西就是色彩,辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征,与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法,但由于他对于人和自然特有的观察能力,因而得出的结论也具有非凡的个性。 梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类,他说:“为了更有力地表现自我,我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实,不仅是色彩,连透视、形体和比例也都变了形,以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。
2.表现主义:梵高死后不出几年,一些画家就开始模仿他的画法,为了表现强烈的感情,可以不对现实作如实的反映,这种创造性的态度被称作表现主义,并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋,成为极端个性化的艺术家的典型,但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人,语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情,有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家,则充满了一种天真的热情的深沉的爱。
3.艺术使命感:梵高是一位具有真正使命感的艺术家,梵高在谈到他的创作时,对这种感情是这样总结的:“为了它,我拿自己的生命去冒险;由于它,我的理智有一半崩溃了;不过这都没关系……”. 梵高从来没有放弃他的信念:艺术应当关心现实的问题,探索如何唤醒良知,改造世界。
《星月夜》(《星夜》):梵高的宇宙,可以在《星夜》中永存。这是一种幻象,超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星,和那个时代空间探索的密切关系,要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象,是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候,我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的,或者是象火焰般的笔触,它来自直觉或自发的表现行动,并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异,在于他超自然的,或者至少是超感觉的体验。而这种体验,可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触,就象艺术家在绞尽脑汁,准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看,实际确是如此,因为梵高是一位画其所见的艺术家,他看到的是幻象,他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画,这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来,虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前;山谷里的小村庄,在尖顶教堂的保护之下安然栖息;宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人,而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的,时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后,就住进了这座疗养院。在那儿,他的病情时好时坏,在神志清醒而充满了情感的时候,他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰,同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树,意味着包围了这个世界的茫茫之夜。 梵高继承了肖像画的伟大传统,这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱,使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样,从一开始的素描小品,一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人,或者一个不能控制自己行为的人,无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里,一些节奏颤动的线条,映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色,深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干,再到背景的所有的色彩与节奏的组合,以及所强调部位的微妙变化,都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家,仿佛梵高完全清醒的时候,就能记录下他精神病发作时的样子。
《乌鸦群飞的麦田》 :在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色,但它却充满不安和阴郁感,乌云密布的沉沉蓝天,死死压住金黄色的麦田,沉重得叫人透不过气来,空气似乎也凝固了,一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动,绿色的小路在黄色麦田中深入远方,这更增添了不安和激奋情绪,这种画面处处流露出紧张和不详的预兆,好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。就在第二天,他又来到这块麦田对着自己的心开了一枪。
《向日葵》: 这些简单地插在花瓶里的向日葵,呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵•高以重涂的笔触施色,好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。然而在画此作的同时,画家死命想抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走了。或许这画的表面反映了他悲剧性的短促一生接近终结时期的心理状态。他是个热爱自然并能从简单的事物看到纯粹之美的画家,他说他宁可画从窗户向外看到的树影而不想象中的幻像。
保罗•高更
法国后印象派画家、雕塑家、陶艺家及版画家。高更的早期绘画,带有实验性. 保罗•高更早年在海轮上工作,后又到法国海军中服务,23岁当上了股票经纪人, 收入丰厚还娶了一位漂亮的丹麦姑娘梅特•索菲亚•加德为妻。可是高更在自己的绘画天赋召唤之下,35岁时辞去了银行的职务致力于绘画,38岁时与家庭断绝了关系,过着孤独的生活,并通过毕沙罗卷入了印象主义的天地。高更受到印象派朋友的影响开始作画,还受到象征主义,日本版画以及而听文学等多种因素的影响。高更总是向往着远方,留恋那些具有异国情调的地方,他要求抛弃现代文明以及古典文化的阻碍,回到更简单、更基本的原始生活方式中去,他很愿意过野人的生活,这使他在39岁时踏上了去巴拿马和马提尼岛的旅行,在那里找到了自己期望的东西:茂密的植物、永远蔚蓝的天空、慷慨的大自然、简朴的生活。后来因事不得不离开这个热带的天堂返回法国,这时正好40岁,精力充沛而有主见,保留着尊贵高傲之气。他是位具有强烈个性、惹人讨厌又招人喜欢的人,粗鲁和高雅并存,他总是强烈要求自我表达,要证明自己的价值。简化了的巨大形状,均匀单一的色彩,分割主义,无阴影的光,素描与颜色的抽 象化,超脱自然,这就是高更所发现和创立的艺术。但是他的这种幻想和艺术在自己的国家处处走投无路,于是在1891年2月23日他拍卖了30幅作品得到一笔收入,于4月4日乘船前往塔希提岛,历经幸福与磨难,画了不少画后又回到法国。在1893年11月举办了他的《塔希提人》(Tahiti)画展,结果是彻底失败,在物质上收入是零。而他那新颖、神秘、野蛮的绘画,迎得了一些崇拜者。巴黎文明人的嘲弄又使他返回塔希提岛。这样,便有了今天广为人知的脱去了文明的衣服,独身一人赤裸裸地置身于伟大的自然之中的高更的传说。病魔和家庭丧女的不幸使他想到自杀,得救后画了一幅传世杰作《我们从哪里来?我们是谁?我们往哪里去?》。高更在技法上采用色彩平涂,注重和谐而不强调对比。他的绘画风格与印象主义迥然不同,强烈的轮廓线以及用主观化色彩表现经过概括和简化了的形体,都服从于几何形图案,从而取得音乐性、节奏感和装饰效果。其理论和实践影响了一大批画家,被誉为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。
《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》:1897年,高更49岁。得知女儿阿莉妮去世的消息,他深为悲痛与绝望,加之这段时期画家贫病交近,心情沮丧,极端愤世疾谷,决定在自杀前绘制这幅绝命之作。为此他曾说过:“希望能在临死之前完成一幅巨作。在整整一个月内,我几乎不分昼夜地以我前所未有的热情从事创作。我完全不用模特儿,在粗糙的麻袋布上直接作画,以至于看来十分粗糙,笔触相当草率,恐怕会被认为是未完成的作品。确实,我自己也无法十分明确地断定。可是我认为这幅画比我以前的任何作品都要优秀。今后也许再也画不出比它更好的或同样好的作品了。我在死之前把我全部精力都倾注在这幅作品中了。在恶劣的环境中,以痛苦的热情和清晰的幻觉来描绘,因此画面看起来毫无急躁的迹象,反而洋溢着生气。没有模特儿,没有画技,没有一般所谓的绘画规则。”这是一幅充满哲理性的大型油画,他把在梦中的幻想与在塔希提生活的感受综合为这样的构图,并以《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》为题,构思成这件巨作。 画面色彩单纯而富神秘气息,平面手法使之富有东方的装饰性与浪漫色彩。在斑驳绚丽、如梦如幻的画面中,暗寓着画家哲理性的对生命意义的追问。
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日本汇集了亚洲著名的美术类高等院校,也培养出了许多世界有名的设计师,插画师。因此,赴日留学的学生中以日本美术类大学为目标的学生也逐年增长。日本的美术类大学的入学考试和其他国家的考试内容有很大地方的不同。所以以日本的美术类大学升学为目标的练习也必不可少。 以早稻田 EDU 日本语学校为例,早稻田 E ...日本留学 本站小编 免费考研网 2018-03-032009年广州美术学院中外艺术史考研真题
2009年广州美术学院美术研究所研究生入学考试中外艺术史题目(准完整版)发表于2009年01月14日17:48阅读(10)评论(1)分类:举报2009年广州美术学院美术研究所研究生入学考试中外艺术史题目(准完整版) 一选择题(每题1分,共10分) 1《柴桑翁图》作者 2《卓歇图》作者 3连云港孔望山摩崖石刻的年代 其他考的全部是绘 ...专业课考研资料 本站小编 免费考研网 2018-02-232018年福州大学厦门工艺美术学院调剂公告
各位考生:你们好!2018年我们需要接收的调剂专业如下:学术型:美术学(130400)欢迎广大考生前来报名,我们将及时查看信息。请各位考生在国家调剂系统开通当天中午12点前登陆国家系统填报相关信息并及时关注我院后期发布的相关公告。预调剂系统:http://219.229.132.120/Public ...考研调剂信息 本站小编 FreeKaoyan 2018-02-11中央美术学院2018年硕士研究生成绩查询及复查通知
2018年硕士研究生入学考试成绩查询及复查通知一、成绩查询请登陆以下网址查询2018年硕士研究生入学考试成绩2018年硕士研究生入学考试成绩查询(点击进入)(一)政治、外语、造型类美术史论、人文学院、艺术管理与教育学院专业课成绩为100分制,其他专业课无特殊说明外均为150分制;(二)港、澳、台、侨 ...考研分数线 本站小编 免费考研网 2018-02-06广州美术学院2018年考研成绩查询及复查办法
关于我校2018年硕士研究生招生考试初试成绩查询的通知各位全日制硕士考生:我校2018年全国硕士研究生招生考试初试成绩即将公布,现将相关事宜通知如下:一、成绩查询方式1、考生可从2月5日16:00起凭身份证号码、准考证号码和姓名登录中国研究生招生信息网http://yz.chsi.com.cn/ap ...考研分数线 本站小编 免费考研网 2018-02-06天津美术学院2018年硕士研究生成绩查询及复核通知
2018年硕士研究生成绩查询及复核通知点击查看。 ...考研分数线 本站小编 免费考研网 2018-02-062018年山东师范大学美术学院考研复试科目及加试科目
据山东师范大学研究生院消息,2018年山东师范大学美术学院考研复试科目及加试科目已经发布,详情如下:注:加试科目(以专科生身份报考的考生需要准备、以报名时填写的信息为准) 院系名称 ...考研复试信息 本站小编 免费考研网 2018-02-06考研中国美术史之画论
魏晋南北朝 六法论的内容及意义是什么? 1、内容:气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、转移摹写 2、意义:奠定了中国绘画正确的美学原则和独特的表现法则。传神论和六法论是针对当时人物画的创作而提出的,神与气韵基 ...专业课考研资料 本站小编 免费考研网 2018-01-28考研中国美术史之宗教美术
中国早期佛教美术兴盛的原因? 1、佛教传入后,在南北朝时期经统治者提倡和利用,发展十分迅速,佛教的传播也为中国古代文化的形成带来了某些新的因素。 2、求法僧人的西行和佛教的东渐促进了中西文化的交流,尤其是大量寺院的兴建和造像的盛行,极大地丰富了建筑艺术和绘画。 3、一批优秀的艺术家在寺院中竞 ...专业课考研资料 本站小编 免费考研网 2018-01-28中国美术史各朝代特点对比分析考研汇总
魏晋南北朝魏晋南北朝时期美术发展有什么新特点?1、佛教传入中国,佛教艺术勃然兴起,丰富了我国民族传统艺术。2、人物画在继承汉代绘画传统的基础上有新的发展,注重传神,以线为造型基础的方法不仅在艺术实践中贯穿始终,而且进一步提高到理论上的充分肯定。3、山水逐渐从人物背景中分化出来,作为一种独立的画种而兴起。 ...专业课考研资料 本站小编 免费考研网 2018-01-28山东工艺美术学院2008年专业理论考研试题
专业课考研经验 本站小编 FreeKaoyan 2018-01-23