马奈受过良好教育，养成一副绅士派头，自视清高，热情奔放，不受拘束，追求独立自由，他反对保守，同情进步，维护共和主义，具有自发革命意识。19岁参加过革命暴动，还曾和德加、巴齐依参加过国民自卫军，年轻画家巴齐依阵亡。他同情巴黎公社起义，还被选为公社艺术家联盟委员，这些都是他对自由的忠诚和浪漫的激情所致。当他把全部渴望自由的生命和热情转向艺术时，他在绘画中开辟了一个新时代。29岁的马奈在沙龙展出《西班牙吉他演奏者》，在巴黎画坛上崭露头角。他的画具有古典造型基础，又有明亮鲜艳、光与色的整体表现，仍保持着形象的真实感。
1856年，马奈建立画室。这一年，他到荷兰、意大利和德国旅行，萍心地临摹过委拉斯贵支和提香的作品。1859年，他首次向沙龙送去作品，但被评审委员所拒绝。1861年，他的《弹吉他的西班牙歌手》等两件作品入选，并在展出时获奖。1863年，他的大幅油画《草地上的午餐》以“有伤风化”的罪名被拒绝；随后，油画《奥林匹亚》受到批评家的谴责。于是，他仿效库尔贝的做法，结合一部分落选画家，举行了《落选作品展览会》 (落选沙龙)。对于这些作品，舆论褒贬不一，狂热的吹捧和刻薄的讥消都达到空前的水平。1867年，同世界博览会相对抗的马奈作品展开幕。马奈在目录册的序言中写道：“马奈先生根本无意于提出抗议，相反，是别人对他提出了抗议。而这是非他所料的，这些反对者都是以传统的观念来理解绘画的形式、手法和观点的，他们不承认其它的理解方法。他们在这方面表现了一种幼稚的偏见。除了他们的公式，一切都毫无价值。马奈先生一向承认别人的才识，从不妄想消灭先前的绘画或创造新的绘画。他只不过是要做他自己，而不想去做某一个别人。”他的努力得到著名作家左拉的支持，左拉化名克洛德，在《事件》报上预言：青年马奈的作品必将在卢佛 宫占有一席之地。这一预言在马奈死后的1907年终于兑现。这一年，由法国总理克列孟梭签署命令，将马奈的《奥林匹亚》一画置于卢佛富陈列。
马奈并不分成印象派的色彩理论，与印象派之排斥黑色不同，马奈却是十分善于使用黑色的。它像乐队中的定音鼓，使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。在瓦伦斯的肖像中，裙子的黑色正是起到了这种作用。1812年，马奈在巴提约尔街的画室成为青年画家向往和聚会的地方。后来成为印象画派成员的莫奈、德加、雷诺阿等人，经常在此聚会，马奈成为他们心目中的领袖。但是，马奈不赞成印象派的观点，也没有参加过印象主义者的画皮，所以，他不是印象派的成员。1883年4月30日， 马奈因疽毒症不治身亡。，数万人参加了他的葬礼，著名画家埃德加．德加，望着长长的送葬者行列，深深地感慨道： “马奈比我们想像的更伟大!”
《吹笛少年》：《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面，然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。 自然主义作家左拉曾在这幅《吹短笛的男孩》面前赞叹道：“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”虽然现在看来，这幅画给人带来的震撼并未见得有多强烈。然而在马奈那个时代，这幅画的好处恰恰在于叛逆，不合当时的礼教。第一没什么内容，第二没有什么深意，就是个小男孩，什么都不代表，什么都不说明。而且马奈画的时候非常快，完全变革了以前的画法！当时官方沙龙展的评委们都不愿意收这幅作品，谁又想到100多年后，这幅画市值8亿人民币。权威评价：19世纪60年代，刚刚摆脱第一任老师库图尔的权威的马奈，又遭到同时代人的不理解，他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇怪的印象，遭到许多批评，例如这幅《吹短笛的男孩》，被1866年的官方沙龙展的评判委员会拒绝。这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛，这是一种声音尖锐的木制小笛子，它用于引导士兵投入战斗，笛子的名称成了画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上，画底没有给出一个确切的空间，仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景，是受黄金时代的西班牙画家，尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪，马奈不久前去马德里旅行期间，对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的，避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象，马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的，这一点从投到地上的短影可以得到证实。马奈很早就参军了，是一名水兵，他以怜悯的目光看着这个孩子兵，为因画画需要而穿上的这身行头感到骄傲。他的全部注意力都集中在这身由红、黑、白、金色装饰的完美军服和短笛的金色金属套上。用白色布带束住的乐管在男式紧身短上衣的深色呢绒上和裤子的茜红色呢上闪闪发亮，短上衣上饰有铜钮扣。紧束孩子的上半身的布带形成一道亮光，与白色的鞋罩相映衬。只有孩子的脸和手有生气，与有点僵硬、看不出细节的侧影形成明显的对照。马奈的同时代人指责这缺少厚度，处理过于简单，像是厄比纳尔城印出来的天真的民众像。背景与人物之间没有配景，也没有联系，这些也使人物显得不真实。人物用大色点处理，很像扑克牌上的人头像和日本的铜版画。马奈的《吹短笛的男孩》普遍受到好评，这幅画是马奈对很少被印象派画家画的军队主题的一个无视传统观念的挑战。
马奈的成就主要体现在人物画方面，第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画，开创了印象主义画风。马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品，他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品（尤其是肖像画）很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里可以看到莫奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。
马奈并不分成印象派的色彩理论，与印象派之排斥黑色不同，马奈却是十分善于使用黑色的。它像乐队中的定音鼓，使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。在瓦伦斯的肖像中，裙子的黑色正是起到了这种作用。1812年，马奈在巴提约尔街的画室成为青年画家向往和聚会的地方。后来成为印象画派成员的莫奈、德加、雷诺阿等人，经常在此聚会，马奈成为他们心目中的领袖。
《草地上的午餐》：《草地上的午餐》是法国写实派与印象派画家马奈创作于1862年和1863年间的一幅布面油画。原本名为《浴》。是画家效法卢浮宫内一幅乔尔乔奈的《乡村音乐会》（又名《田园合奏》）的构图，但它毕竟不是16世纪威尼斯那种田园诗绘画。画上那个裸体女子就是他在早期画的《穿斗牛士服装的维克多莉娜•默朗》中的模特儿默朗。她是马奈从街上领回的一个妓女，长期为画家充当模特儿。画家让她在这幅画中表现裸体坐在林中溪边的草地上，与两个穿衣绅士（费迪南和马奈的兄弟－欧仁.马奈）作伴；左侧前景有一只翻倒的篮子，食物滚出篮外，又在后景的湖池边，添画了一个只穿衬衣的女人，俯身站在水里。这是一种精心安排的“野餐”，是画家为寻求色彩对比的大胆试验。这一构图惹恼了绘画界的许多头面人物。围绕马奈的这幅画，评论界竟也划分成两个营垒。双方短兵相接。
画中几个人物构成一个互相交错的三角形，两位男子和裸体女人的肢体互相交缠，这样就把此画的性恋的含义凸现了出来。马奈把这种含义表达得很清楚，他把费迪南抬起的右手和左手、维克多莉娜露出的左脚处理为统一颜色,同一纹理,并把费迪南抬起的手画在中心位置上,那是一个解剖三角形的顶.有人指出这就是传统上所说的男女交乱的象征,本来在库丢尔画室里已为人所熟悉马奈的名字，如此一来，几乎挂到了每个关心画展的巴黎人的嘴上了。
1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。

修拉-“新印象派”的艺术与科学
 乔治•修拉（1859-1891) 是诞生在色彩、光学革命中最早的艺术家。在其短暂的一生中一直在艺术科学化的道路上坚持不懈地探索，取得了丰硕成果。修拉之前人们通过“日光－棱镜折射实验”得出白光是由不同颜色光线混合而成的结论，通过开普勒近代实验光学理论去研究过色彩。到19世纪下半叶，研究色彩学的专著开始出现。在艺术创作中印象派的马奈最早打破了传统的棕褐色调，引入外光使变得画面明亮起来。而莫奈侧重用光线和色彩表现瞬间的印象，追求绘画中色彩关系独立美。总体来说修拉之前人们始终未能把光学和色彩学理论理性的用接近科学实验的方式进行艺术创作，仅仅局限于对光学的简单应用，没有研究出全新的绘画技法。修拉把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验结合起来，把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间、以及在色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来。强调不在调色板上调和各种颜色，强调严格地从色彩规律出发，把各种单纯的单色通过细小的笔触并列在画面上，经过观者的视觉作用达到自然调和，这就是至今仍然被广泛应用的“色彩空混”技法。
法国画家。新印象画派（点彩派）的创始人。生卒于巴黎，他早先是进了巴黎的一所素描学校，然后又在巴黎高等美术学校学习了两年，在勃莱斯特志愿服役了一年。随后，他继续在卢浮宫研究古代希腊雕塑艺术和历代绘画大师的成就，从委罗纳斯、安格尔到德拉克洛瓦，还埋头攻读勃朗和谢弗勒尔的论述色彩的科学资料。认为印象派的用色方法，不够严格，不免出现不透明的灰色。为了充分发挥色调分割的效果，用不同的色点并列地构成画面，画法机械呆板，单纯追求形式。他把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验地结合起来，把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间，以及色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来，对20世纪几何抽象艺术有很大的影响。由于修拉出生在法国巴黎一个富裕的家庭，这使他可以一边汲取各种要素，一边用充足的时间发展自己独特的艺术风格。在国立美术学校亨利•勒曼的教室里掌握了传统技法基础的修拉，在对德拉克洛瓦、米勒到巴比松画派和印象派以及更近的艺术家作品的研究基础上树立了自己的绘画风格，同时，广泛阅读色彩学、光学和美学等方面书籍，以及对理论的探究，对修拉发展其独特的风格起了极其重要的作用。他说：“如果只被一瞬间光的效果所吸引，那还能够捕捉到永恒吗？”   修拉认为印象派画家们无视构图这一绘画的根本。因此，他决心遵照客观而科学的原理，从每个细节出发来组织作品，站在了与印象主义完全相反的立场。西涅克邀请修拉参加印象派,向他炫耀了纯色的优越性.从此,两位朋友便在画布上堆起与环境、阳光、颜色的相互作用相符合的小圆点来.为了更好地平衡这些因素,并使它们互相渗透到只有极小的差异程度,他们采用了不在调色板上调色,而用小圆点,纯色色点进行点彩的办法.在一定的距离上看去,这无数的小点便在视网膜上造成所寻求的调色效果.从此,同时对比法则(很快便伴随有对线条方向象征意义的研究),点彩法,纯色和光学调色法,便成为修拉艺术的主要成分,他按照这些方法,画了一系列大幅构图以及一大批动人的晴朗风景.
修拉精通“色彩同时对照”理论。按照这一理论，红与绿、黄与紫、青与橙等这些互为补色的颜色被相邻放置时，其色彩显得最为鲜艳。但是，将这些颜料在调色板上混合后，其色彩便会暗淡。修拉还参考了进一步发展了的谢弗勒尔理论和奥格登•路德的著作，使这种技法有了长足发展。由于他完全是靠更加暗淡的色点的组合来表现立体感和阴影，所以就不必再描绘线条和轮廓。同样，在远近感方面，可以靠在近景处涂画大的色点、远景则涂画小的色点来表现。对于其他绘画上的效果，他凭借对笔触的方向进行各种改变也使之成为可能。修拉对色彩进行研究的同时，对线条问题也进行了各种研究。对线条所具有的表现力，苏佩维尔的理论认为“线条可以述说、象征”。根据他的观点，上升的线条表示快乐，水平的线条象征寂静和休息，而下降的线条则暗示悲哀。亨利进一步发展了苏佩维尔的理论，将喜悦、悲哀、愤怒等情感的波动与色彩结合起来。亨利的理论中，快乐与赤、橙、黄等暖色调相结合，悲哀则用绿、青、紫等冷色调来表示。   修拉在作为画家不断向前发展的过程中，对这种观点愈发热衷。在他的头脑中，反复出现的“水平线条可以表现静谧、平和”的想法根深蒂固但是，巧妙地使用众多有节奏的上升线条，以有意识地表现愉快的尝试。在人物的描绘方法上，修拉也是十分独特的。修拉的目标是赋予自己的作品以超越时代的性格。因此，如同古希腊带状装饰的浮雕或者动脉的象形文字一样，他将人物公式化后再加以描绘。 《大碗岛的星期日下午》的成功，产生了众多的模仿者，但他们中的大多数人都没有理解修拉的绘画原理。在模仿者眼中，分割主义只是单纯的技巧，一旦失去了新颖便对其不再理睬。19世纪末，这种风格虽然衰落了，但是，他给野兽派的画家们却带来了重要的启示。