凡•代克
凡•代克，出生在安特卫普的一个商人家庭，母亲精于刺绣，自幼受到母亲的良好教育。11岁的凡•代克师从于凡•巴伦，少年时代就显示出非凡的艺术早熟才能。15岁时，他的美术创作就已引起社会的重视，凡•巴伦帮助他建立了自己的独立工作室，这是画坛前所未有的。但他深知自己的不足和启蒙老师的平庸，便毅然投奔鲁本斯门下，成了鲁本斯的得力助手和高足，他的才能在鲁本斯工作室得到了充分的施展，一直为鲁本斯工作到21岁，得到大师的高度赞赏。同年，他应英国查里一世国王的邀请赴伦敦，回国途中转赴意大利，在那艺术的国度里对意大利古代和文艺复兴的艺术进行了深入的考察研究和学习，他崇拜威尼斯画派的色彩和佛罗伦萨画派的造型，尤其是提香的艺术，使他终身受益。画家27岁时回到故乡安特卫普，这时的凡•代克已是可与老师鲁本斯相抗衡的知名大画家了，他已经形成独立的艺术风格。画家33岁时受聘为英国查理一世的宫廷首席画家，是第二次赴伦敦，并在那里终其一生。凡•代克的艺术，早期接近鲁本斯，在成为英国宫廷首席画家之后，逐渐形成自己的风格，不像鲁本斯那样粗壮奔放，他注意发展个性，他塑造的人物显得比较柔和、沉静，都有一种典雅娇弱和华丽的气质。他很注意刻画人物的面部，仔细描绘那微皱的双眉和沉静的目光，并以身体姿态和手势及服饰的巧妙安排作为补充。尽管在绘画艺术上取得了卓越的成就，但是在鲁本斯的盛名之下，人们忽视了他应有的地位。他对英国绘画的形成和发展具有深远的影响。
《查理一世行猎图》：画面表现了查理一世在狩猎途中下马休息的一刻，而骑马、狩猎是英国皇家最为偏爱的一项娱乐活动，直到今天它都还保留着许多贵族时代的风范和传统。在画中，凡•代克不仅希望观众能够清晰地看到国王的面庞，而且还可以全面领略到尊贵者所应具有的仪态。他把随从的马匹、侍臣都推到阴暗的背景里，只有身着鲜亮服饰的国王站在最前面，摆出一副多少有点像模特一样的姿势。这种平静、尊贵的姿态与鲁本斯笔下激情昂扬的形象有着多大的差别啊。它向我们展示出这是一位受过良好教育的国王。尽管只是一个随意而闲暇的场景，但他的一举一动都是仪式化的，腰间的佩剑、宽沿的礼帽，包括金色的皮靴和手套，无一不表明他毫无疑问是“君权神授”的天然维护者。如果只是单纯地美化了一位国王，满足了他个人渴望永垂青史的愿望，那么这幅肖像在美术史上的地位一定会打很多折扣。事实上，凡•代克最让人称道的地方还在于他在表现豪华事物时所特有的克制和冷静。与另外一张表现法国国王路易十四的肖像相比，虽然同样采取了标志贵族身份的姿态，但我们可以感觉到凡•代克对于奢侈品和繁琐装饰远不是那么有兴趣。在他的作品里，所有的细节是含而不露的，丝毫不会抢夺观者对人物本身的印象。看着查理一世望向画外的表情，人们难免会隐隐感觉到他将来的命运。1649年，克伦威尔领导的议会军彻底击垮了这位自命不凡、独断专行但又没什么实际才能的国王，愤怒的起义者将他以及他所坚持的“君权神授”理论一起送上了历史的断头台。一切的荣华都已经灰飞烟灭，只有绘画中的一瞬间流传下来，它向我们展示了理想中皇族血统的高贵和绅士派头的潇洒，也让我们看到潜伏在表象之下的空虚、危机和脆弱。
人物的衣饰质感很强，有如衣服本身在闪闪发光，周围的环境、自然风景，从云层里射出的光线，都刻画得非常细腻入微，显示出他纤细的风格特色。整个画面的色彩统一在夕阳的光照之下，温暖而柔和，与人物的气质遥相呼应。

意大利杰出的现实主义画家  卡拉瓦乔
卡拉瓦乔意大利16世纪末至17世纪初的一位著名的画家。他的艺术生涯是在意大利文艺复兴盛期的诸大师相继逝世后开始的。他是意大利杰出的现实主义画家。卡拉瓦乔[1]的一生醉人、危险而又充满了谜。1600年，他突然出现在罗马的艺术圈，此后就再没有缺少佣金和资助，尽管他将自己的成功经营得很糟糕。卡拉瓦乔在争斗时杀死了一个年轻人，人家悬赏他的项上人头，于是他逃离罗马。1608年，他又在马耳他卷入另一场争斗，之后的1609年，在那不勒斯，还是争斗，这次可能是不明来历的对头要取他性命。到下一年，度过十年多一点的画家生涯后，卡拉瓦乔离开了人世。在16世纪末到17世纪初的几十年间，罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿，需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁，因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。虽然卡拉瓦乔在世时声名显赫，死后的几个世纪里却被人们完全遗忘了，只是在20世纪的最近几十年才被重新发现。卡拉瓦乔的创作进入成熟阶段后，他的画上的明暗对比表现得更强烈了。往往背景的空间都陷入阴暗或看不透的黑暗中，人物形象不是部分被吞没，只露出某部位，就是完全暴露 于光照中，黑暗用棕色和深褐色来表现。这种手法被称谓“黑暗法”或者叫做“酒窖光线绘画法”。他的《召唤使徒马太》一画便是这样表现的。
《圣母之死》（《圣母升天》）：是卡拉瓦乔创作盛期的代表作。这幅画描绘的是一个宗教题材，据“圣经”记载，圣母玛利亚从加百列天使那里得知自己将不久于人世时，她便移居到耶稣的降生地伯利恒，使徒们都从各地赶来送别，玛利亚死后三天，她的灵魂和肉体被天使迎入天国。通常宗教画的描绘是非常严肃和庄重的，然而，卡拉瓦乔并没有遵照教规和圣经的记载，把圣母描绘在光环之中，突出于世尘之上。相反，他将这一事件设计安排在一个普通人家，如同老百姓家里发生了这一不幸的事。圣母玛利亚头发散乱、双脚裸露、衣着不整地躺在一张短小的木床上。周围聚集着悲泣的亲属和邻人，与其说他们在沉痛地哀悼圣母，不如说他们正在哀悼一位可亲可敬的老妈妈。这样地把圣母平凡化的描绘，如同寻常百姓办丧事一样的处理，更贴近了普通人的真实生活，更容易把观众带进那种悲伤的气氛之中。这就是卡拉瓦乔所坚持的现实主义绘画精神的体现。欣赏这幅画，我们可以从明暗关系，人物形象及色彩中感受到卡拉瓦乔完美的艺术技巧和表现手法。卡拉瓦乔的创作进入成熟阶段后，画面的明暗对比表现得很强烈，这种处理，使黑暗的背景为这幅画增添了死亡的悲哀和气氛的凝重。洒落在圣母上半身的光线，在暗色背景的衬托下显得更为明亮，使圣母的形象更突出。四周哀悼的人群在明暗交替中层次分明地逐一展现在你的眼前，从而显示出空间的深远。这幅画色彩很独特，画的上方悬挂着红色的幔帷，约占了画面的三分之一，圣母也穿着红衣服。在无繁杂色彩的画面上，大块的红色烘托出圣母之死庄重、肃穆的气氛。哀悼的人因年龄、性别、身份的不同，各人的动作、表情及姿态也各不相同。老人持重，默默地流泪，年轻人则失声痛哭，尤其是死者床前坐着的姑娘，已经泣不成声，将脸深深地埋在胸前，我们似乎可以感到她那抽动的双肩和听到她那悲凄的哭声。
《基督下葬》：这幅祭坛画最初是圣马利亚•德拉•瓦里契拉教堂的订件。描绘的是基督被钉死十字架 后，由约翰、尼哥底母、圣马利亚与基督的两个女信徒给他下葬的悲剧场景：微弱的光线只 照亮岩洞的一块大石板。在一片昏黑的背景前，约翰与尼歌底母慢慢地把耶稣赤裸的尸体放 入墓中。背后站着耶稣的母亲马利亚与两个女信徒。耶稣的尸体被光线照得透亮。整个场面 俨然一个阵亡英雄或战士的下葬情景。耶稣的躯体画得强壮结实。脸上也显出刚毅的意志力。 一张留短黑须的脸十分安祥。气氛肃穆，悲怆而庄严。 画家运用准确的解剖技巧表现了肌肉发达的尸体。唯有耶稣垂落的一只手提示他已没有 生命。但这只下垂的手与被抬起的双腿，在画面上构成平衡的光感。画家的典型构思是作了一番精心考虑的。 在色彩上，衣服的红、蓝与皮肤的苍白也形成了一种鲜明的色调对比。这使英雄下葬的 悲怆气氛，与四周的黑暗构成了强烈的冲突。当这幅画公展时，不仅使卡拉瓦乔的崇拜者心 悦诚服，连他的宿敌也不得不承认画家的高度艺术修养。基督下葬仪式，原本是神圣而庄重的，而在卡拉瓦乔的笔下，仅仅是平凡而简单的贫民葬礼场面，画家以现实生活事件和人物，描绘了神圣的宗教题材。画面人物依对角线式排列，作为主体形象的耶稣裸体置于受光处，被塑造成强健有力，虽死犹生、俨然一位英雄的入殓的情景。约翰和彼得抱着耶稣遗体，十分虔诚。彼得被描绘成一位醇厚朴实的农民，尤其那双有力的脚特别醒目。忧伤悲哀的圣母伸出右手作抚爱的诀别，低首流泪的少女是圣徒渥娃拉，而后面那悲痛欲绝、高举双臂的女子正是被耶稣拯救了灵魂，获得新生的抹大拉，整个画面是一幅家庭悲剧的缩影写照。用聚光、强烈明暗对比画法布置画面，塑造人物主次形象，是卡拉瓦乔艺术风格特征，他不受自然光源的影响，从表现画家创作意图出发，构成画面的均衡、呼应和节奏美感。

荷兰现实主义画家伦勃朗(Rembrandt)
伦勃朗（Rembrandt 1606 - 1669年）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。生于莱顿，卒于阿姆斯特丹。其画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。自画像莱顿时期（约1625～1631）作品采取强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。伦勃朗14岁进莱顿大学；17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画；1627年21岁时已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格，回家乡自己开画室招徒作画，期间画了许多自画像；1631年离开莱顿去阿姆斯特丹，30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。他的肖像画风格人物安排具有戏剧性，深深打动人心，他以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。他对戏剧很感兴趣，经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。1650年代后，他的画更为宽阔有力，利用迭色使画面更加有立体感。从1640年代开始，他经常到乡村漫步和作画，创作了许多反映大自然的素描和版画，风格质朴。1661年是他作画最多的一年，1663年以后就作画较少，结交了许多中下阶层的市民，眼界更为开阔，技巧更为成熟，创造力达到顶峰。伦勃朗和他的妻子生有4个孩子，只有最小的一个存活，但他妻子在生孩子后不久去世，他和女仆住在一起，女仆为他生了一个女儿，为此受到教会的正式谴责为“罪恶的生活”。由于他为了画画经常采购大量的衣物和绘画工具，从不计较财产，所以很快就到了破产的边缘。1669年他在贫病中去世，身边只有女儿陪伴，死后葬在西教堂一个无名墓地中。伦勃朗一生留下600多幅油画，300多幅蚀版画和2000多幅素描，几乎画了100多幅自画像，而且几乎他所有的家人都在他的画中出现过。伦勃朗在绘画史——不独是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术：光暗。这名辞，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。换言之，伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是含着绝然不同的作用的。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦（Fromentin)目他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。
《夜巡》一幅无价的珍品《夜巡》，但却也因为这副画，使得伦勃朗陷入了一个窘迫的境地。17世纪的荷兰，是一个绘画风潮泛滥的时代，但当时的绘画主要是为市井各种阶层做肖像画，故雇主的满意与否是一个画家能否成功的关键。这个时候，荷兰有一个成功的画家伦勃朗。伦勃朗早年得志，当时他的画在荷兰十分的受欢迎，故而生活十分优越。伦勃朗的妻子是一个没落贵族的女儿，为了维持家庭的体面，伦勃朗购买了一幢很大的房子，也供给着妻子几个兄弟无度的挥霍。1642年，班宁柯克连长和手下1民兵16个人每人出了100盾请伦勃朗画一幅集体像。伦勃朗没有像当时流行的那样把16个人都摆放在宴会桌前，画出一幅呆板的画像，而是自己设计了一个场景，仿佛16个人接到了出巡的命令，各自不同的在做着准备。这幅画采用强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。从任何地方来看，都是一幅绝对的杰作。但是，粗俗的民兵们不干了，大家都是出了100盾，为什么有人在画中那么明显，而自己却要隐身在后面。民兵们要求画家重新画一幅肖像。可是出于一个画家的艺术感出于坚持自己的艺术主张和创作方法，伦勃朗坚持不重新画一幅。这件事情闹的整个阿姆斯特丹沸沸扬扬，打这以后，就再也没有人找伦勃朗来画集体肖像了，而在这个艰苦的过程中，伦勃朗的妻子为他生下一个儿子后，去世了。伦勃朗是一个为了绘画可以不顾一切的人，当他走进画室，也许就连着几个星期对外界不闻不问完全投入到了绘画中去，为了照顾自己的儿子，伦请了一个没有什么文化的年轻村妇来做保姆，后来又和她生了一个孩子。这下子整个阿姆斯特丹都兴奋了，他们认为这是一个丑闻，这是一种通奸，整个小市民阶层陷入了一个有机会对高贵的灵魂泼脏水而兴奋的境地，每个人都在看好戏，每个人都在对画家进行嘲笑，而加尔文教派的牧师也开始谴责那个村妇，这下一场更猛烈的风暴爆发了。再也没有人上门请伦勃朗来作画了，只有各种债主开始上门讨债。伦勃朗的生活从此陷入了困顿之中。伦勃朗晚年生活困难，家产被拍卖，油画作品买主不多，只有宗教题材的蚀刻版画还有人订制。其中一幅取名《100荷币版画》的作品，就是依其售价而定名的。一个高贵的灵魂就此沉沦，荷兰画派自此也开始没落那幅《夜巡》被民兵们带回去之后，因为太大无法挂在门厅里面就自行把周遍裁掉，使得整幅画丧失了原有的平衡。而挂这幅画的大厅是烧泥炭明火取暖的，泥炭的灰在画上落了厚厚一层煤灰，使得整幅画色彩变得黯淡，以至于18世纪的时候人们认为这个原本是白天的场景是在夜晚进行的，从而给他取名《夜巡》。现在这幅画在阿姆斯特丹国立博物馆有着自己独立的房间，当我们凝视的时候，仿佛感到画布上有生命在流动...
《杜普教授的解剖学课》17世纪的荷兰，除了盛行风景画、风俗画和静物画，还盛行肖像画。而且，经常有某一个团体或行业公会集体出资向画家订制群体肖像画。1632年，年近26岁的伦勃朗应著名医学家杜普教授和其他七位医生的要求，绘制一幅群体肖像画。在画中，作者不仅把每个具体人物的形象、动态、表情，表现的真实动人，而且，以前所未有的形式把具体人物和具体事件结合起来，使荷兰传统的群体肖像画从简单人物排列的表现方式转换成了更具有典型特征和深刻内涵的全新的人物表现形式。在画中，画家着重突出了杜普教授。他独坐在一边，面对着七位学者，一边做着解剖一边阐述着人体的结构原理。七位学者：有的情不自禁地凑上前来吃惊而专注地看着教授所示的地方；有的手拿教材默默地思索；有的好象茅塞顿开；有的又好象如梦初醒……这丰富多采的表情，这鲜明的个性，这生动的姿态，在这冰冷、苍白的尸体的反衬下显得异常生动。

库尔贝（Courbet,1819-1877）
出生于法国东部小镇奥南，祖父是法国1789年大革命的雅各宾党人，父亲是葡萄园主，后来做过地方行政长官，库尔贝幼年就接受过革命思想影响。29岁的库尔贝到巴黎学习法律，后来竟成了自学成功的画家。库尔贝天生具有浓烈的艺术气质，他的自我为中心的意识很强，总是以俯视的高傲神态看待世界和人生，他十分关心社会，积极参加革命活动，巴黎公社时期曾任公社委员和艺术家协会主席，他的名字和所有巴黎公社的英雄并列，在艺术中主张现实主义，他宣称：“现实主义艺术就其本质来说是民主的艺术。”他所创造的艺术，是不加人工修饰再现他周围的现实生活，如《石工》、《筛麦人》等。库尔贝是一个天生性格直率的男子汉，那些学来的社会习气丝毫掩盖不住他那真正的阳刚气概。他的一生命运多舛，不仅因为他争强好胜，有虚荣心，主要是他对被压迫者富有同情心和正义感，所以他献身于无产者革命事业，为这个理想，他可以牺牲一切。19世纪中期库尔贝已经是位有世界声誉的画家，受到世界进步人士爱戴，拿破仑三世为收买他，授给他荣誉勋章，却被他拒绝了，他说：“除了自由制度外，他从未从属过任何其他制度”。他赢得人民给予的最大荣誉和爱戴，1870年巴黎美术家拥护他为国家艺术品保管委员会主席。巴黎公社失败后，他被捕入狱、示众、罚款，最后被迫流亡瑞士，死于贫病交加之中，终年58岁。
《画室》的全名叫《画家的工作室——一个现实的寓意，概括了我7年来艺术生活的情况》。画家的立意在于展示自己从1848年以来的艺术创作生涯，并寄寓一种意味深远的社会哲理。画家把7年来对生活和思想有影响的朋友和他曾经画过的模特儿集中画在一个画面上。另外还集中了上流社会各个阶层的形象，表现一个法国社会的缩影。在这幅画中描绘了三十多人，每个人物都有自己的寓意：画面中间是画家自己正在画一幅风景，画前小孩代表“无邪的眼睛”；裸体女模特儿代表画家心目中的缪斯，或真理；画幅背后一个十字架上钉着圣徒圣赛巴先，代表僵死的学院派艺术。围绕这个中心画面分成两部分：右边坐着看书的是诗人波德莱尔，他象征“诗”；前面站立一对男女，为“绘画的鉴赏者”；依次每个人都有象征意义：“散文”、“哲学”、“音乐”等。画的另一部分，大多是画家画过的模特儿，可谓集社会上之三教九流，他们被隐喻为贫困、忧郁、被损害者和被剥削者。总之画中出现的人和物都有一定的寓意，看来十分费解，但它体现了画家的民主思想和现实主义的艺术方向，蕴含着库尔贝对资本主义社会现实抱着怀疑和批判的态度。人们不得不承认这幅画构图的完整、画面气氛的和谐，以及色彩的统一是无与伦比的，画面中心的裸体更是美妙绝伦。有人认为丢在地上的粉红色衣服就是一幅极好的静物画。这幅巨画显示了画家很强的把握复杂构图的能力以及画家写实的造型和色彩技巧，画的物象具有充分的质感和量感，这一切都表明库尔贝是伟大的现实主义大师。1855年，巴黎举办世界名画展览，评审委员会拒绝接受库尔贝的这幅《画室》，原因是太具有社会主义性质。于是画家决定就在世界名画展附近租一间房子单独展出这件作品，并题名为“现实主义展览馆”，同时发表“现实主义宣言”，现实主义艺术流派因此而得名。
《石工》1849年11月20日库尔贝给友人的信中提到：“我乘四轮马车，在路途中我停下来看了一下两个在路旁打石头的工人。比这更充分地表现出贫困的场面，是不大容易碰见的。”后来画家邀请了两位贫民到自己的画室里当模特儿，创作了《石工》。画家在谈到这幅画的创作构思时写道：“《石工》的情节发生在烤人的太阳下，在道旁的沟边。石工的形体微微地突出在高耸的绿色山坡前，山坡几乎填满了整个画面，上面飞驰过一大层云影。仅仅在画面的右角，在山坡后面，可以看到一角蓝天。这儿丝毫没有虚构的东西，我亲爱的朋友！我每天散步时都看到这些人。而且，这个阶级的人们往往就是这样度过一生的。”《石工》是现实生活中最底层社会劳苦人的真实写照。因此，有人指责他的艺术“与其称之为现实主义，还不如称之为自然主义更为合适”。这种评价是不公平的，画家是有深意的，他要描绘这个社会的不公平和不合理，他在现实生活中发现了这一情节最能表达他的思想，他抓住它，并使之再现于画面，体现了典型环境中的典型人物，揭示了社会的本质，这与纯粹的自然主义有着本质的区别。

戈雅
西班牙浪漫主义画派画家。戈雅是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。画风奇异多变，从早期巴洛克式画风到后期类似表现主义的作品，他一生总在改变，虽然他从没有建立自己的门派，但对后世的现实主义画派、浪漫主义画派和印象派都有很大的影响，是一位承前启后的过渡性人物。父亲是农民，家境贫寒，没有受过正规的教育，两次投考圣费南多皇家美术学院，都没有被录取。(另一說為沒有拿到獎學金而作罷)经弗朗西斯哥•巴耶乌的推荐，为宫廷承担绘制壁毯画稿，其草图明显受当时宫廷指导的古典主义风格影响。后来他有可以进出宫廷，自己研究委拉士开兹的作品，将宫廷收藏的委拉士开兹的作品翻刻成蚀版画，形成自己的风格，他曾经自称自己有三位老师：委拉士开兹、伦勃朗和自然。1789年国王任命他为宫廷画师，在此期间他画了许多宫廷成员及贵族的画像，明显受委拉士开兹画风的影响，当时西班牙是一个宗教法规严厉的国家，禁止描绘裸体，他敢于画《裸体的马哈》(马哈是西班牙语“姑娘”的意思)。因耳聋辞去美术院职务，开始创作带有色彩的蚀版画，用风俗画的方式讽刺教会和国家，1803年完成创作了版画组画《狂想曲》，用各种希奇古怪的人物代表来进行讽刺。拿破仑入侵西班牙后，他于1814年创作了《1808年5月2日》和《1808年5月3日》两幅油画，用色尖酸刻薄，一反其以前和谐的颜色。后来有画了许多关于战争、死亡、疾病的主题。
1800年他创作了《国王的一家》，塑造的是登上王位的查理四世及其妻子、儿女和亲信，共12人。查理四世曾赐予戈雅"第一位画家"的头衔，但从这幅画像上看，戈雅却没有将"第一位西班牙人"的称号给予查理四世。他以现实主义手法，无情地揭示了见识短浅，只喜欢打猎的国王和凶狠、狡猾、丑恶的王后的本性。王子和公主的面孔也都是那样幼稚无知。戈雅将他们令人反感的仪表、精神的贫困和渺小再现得赤裸裸、毫无修饰，他创造出了一张"衰落中的皇族"画像。但是国王和王后却很喜欢这幅画，并引以为傲，他们看到的是一个伟大的皇家被画在一幅巨大的画布上。
《着衣的玛哈》和《裸体的玛哈》：在封建君主制的西班牙，笼罩着封建专制和黑暗的宗教裁判所的阴影，一切人性的艺术受到摧残，因此在西班牙的绘画中很少有像意大利那样开放的人体艺术。委拉斯开兹的《镜前维纳斯》已是极为难得，而且还是借助于神话故事，而戈雅却描绘现实生活中的裸体玛哈，大胆地向禁欲主义挑战。作品中着意表现了人性美和人体美。画家画了两幅同样的构图的玛哈像，一幅是全裸体，另一幅则为着衣像，事实上画中女子并非平民，而是平民装饰的贵族女性。画中人究竟是谁呢？说法不一，大多数人认为是阿尔巴公爵夫人，这位美丽的夫人曾使画家倾倒，极有可能是为她而作，也有人说她是位富商的妻子。这位夫人十分美貌动人，尤其是她那温馨丰腴的肉体更诱发画家的创作冲动，画裸体因世俗所不容，画家同时又画了一幅着衣像以掩人耳目。据说后来画裸体的风声走漏，富商立刻寻找画家决斗，当这位鲁莽的商人提剑冲进画室时，看到的却是着衣的夫人躺在那里，这使盛怒的商人十分尴尬而去。这幅画的构图仍然没有超出乔尔乔内和提香创造的《沉睡的维纳斯》样式，所不同的是戈雅笔下的玛哈是世俗的，具有真实的血肉躯体，躺在真实的生活环境之中。画家画裸体玛哈以全开放的造型，使玛哈的肉体和精神完全袒露无余。她双手枕于脑后，身体微侧，右腿微 拥着左腿略显羞涩之态，整个身体仰卧在绿色的土耳其长榻上，身上起伏富有流动的曲线变化，尤其是隆起的丰乳和突出的臀部，使身体的曲线变化形成节奏感；垫在身下的柔软的枕垫不规则的形态和褶纹变化与单纯的肉体形成对比变化。画中人注视着这个现实世界，隐含着难以捉摸的诱人的微笑。这幅画产生了一种奇特的审美效果：它既吸引人，又使人想躲避；她很美令人留恋向往，但是她大胆无忌地袒露胸怀，又使人望而生畏，人性的真诚和世俗忌讳的矛盾使这幅画神秘而迷人。两幅躺着的妇女肖像画，给戈雅带来了很大的声誉。两幅《玛哈》画的是同一个人，姿态和面部表情完全一样。一幅是裸体，用非常高超的技巧画成，姑娘的脸充分地表现了内心活动，她更温柔、灵敏和娇媚。描绘裸体女子是西班牙宗教裁判所严厉究办的，这是戈雅以前西班牙艺术中仅有的一幅女裸体画像。 《著衣的玛哈》穿一件长长的白色透明的薄绸衣服，束玫瑰色宽腰带。玛哈枕着枕头躺在一张卧榻上，胳膊交叉放在头下面，暧调子的红褐色背景，使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的织物的浅绿调子显得热烈兴奋。有个有趣的典故,戈雅给漂亮的女公爵情妇画了张裸体画,女公爵的丈夫闻讯赶来,戈雅立刻用油彩在裸体上画了一件衣服.名为穿衣的玛哈,掩盖了事实的真相。
《5月3日夜杀起义者》是抗议民族压迫、控诉侵略战争残暴的最有力的作品之一。深夜，一队动作统一的刽子手正在枪杀被抓来的起义者。刽子手们是一帮机械的、无情的、铁石心肠的人，在画面上看不到他们脸。起义者们表现出愤怒、不屈和仇恨，也有面临死亡的惊恐和哀痛。在已经死亡和正在英勇地死去的人们中间还有几个站着的人。中心人物是一个对着枪口的白衣起义者，伸开双臂向死亡挑战。不祥的天空，夜间的黑暗，令人不安地若隐若现的灯火，都加强了现场的悲剧感。戈雅以炽烈的感情再现了那场骇人的暴行。1808至1820年创作的版画集《战争的灾难》是他创作上的高峰。画集分为两部分，第一部分表现了1808至1813年西班牙人民对拿破仑的英勇斗争，第二部分反映了斐迪南七世反动统治的痛苦年代，共有82幅画。画集中他揭露了征服者的残忍和凶暴，也塑造了真正的英雄人物。在第七幅版画中他描绘了一位踏着战友的尸体单独站在大炮旁点燃引火线的纤秀少女。她在全体炮手倒下去的时候一个人继续战斗。戈雅在题词中赞美道："多么勇敢啊!"画集最后的一些画流露出了失望的痛苦和悲观的情绪。 在这套富有表现力的作品中，他弘扬了西班牙爱国者的坚强和勇敢，以及最凶恶的敌人所不能挫败的顽强斗争意志。他成功运用了线刻腐蚀与松香飞尘腐蚀的综合技巧，使之具有戏剧表现的特殊力量。在艺术上这套画集也达到了完美的程度。